Nightmare on Elm Street

Nightmare on Elm Street - 1984 91 minutos   Horror Director: Wes Craven Escritor: Wes Craven Actores: John Saxon, Heather Langenkamp y Johnny Depp Calificación: 8/10

Argumento

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Uno puede ver A Nightmare on Elm Street varias veces sin aburrirse,  aunque con el paso de los años la cinta se añeja por una cuestión lógica casi evolutiva, la forma de plasmar la historia debería ser referencia para mucho director de hoy en día. Esta primera parte de la saga de Freddy es la más seria, el puntapié inicial. Freddy aun no era un showman como en las posteriores, y ese fue luego el gran acierto de Craven. El personaje “malo” había comprado al público y Craven decidió otorgarle el mayor protagonismo dotándolo de una personalidad abrumadora, casi de un cómico de stand ups. En esta primera parte todo eso no está, Freddy es un asesino despiadado, malo y sin otro objetivo que matar a sus víctimas.
Si bien hoy puede parecer algo trillado, hay que retraerse a 1984 y entender la fuerza que podía llegar a tener una cinta donde un hombre asesinado por un grupo de padres vuelve a vengarse de sus hijos mediante sus sueños, lugar donde nadie lo puede contratacar, Robert Englund hace un papel excelente como un asesino satirico que divierte bastante, un verdadero pendenciero que no para hasta acabar con sus victimas,  la maestría de Wes Craven a la hora de plasmar las escenas de ensueño es enorme, esas escenas dignas de las peores pesadillas que se puedan tener, sin reparar en nada, solo buscando el impacto por sobre el espectador. La escena donde la litro y litros de sangre salen de la cama hacia arriba, creo que esta entre las mejores escenas oníricas de terror de la historia.

Fotos

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Videos

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  Presupuesto: $1,800,000
  Ganancia: $26,505,000
  País: USA

Fright Night

 

Fright Night – 1985 106 minutos  Comedia - Horror - Suspenso  Director:  Tom Holland Escritor:  Tom Holland Actores:  Chris Sarandon , William Ragsdale , Amanda Bearse Calificación: 7/10

Argumento

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Noche de miedo es una muy buena película que a mi gusto, supera a otras películas de esos tiempos como “El ansia” (1983), “Mordiscos peligrosos” (1985), “Jóvenes ocultos” (1987) o “Los viajeros de la noche” (1987) . “Noche de miedo” trata de acercarnos al terreno juvenil tan propio de los ochenta e imbuirle un humor cargado de autoreferencias que recuerdan a un gran homenaje/parodia como es “El baile de los vampiros” (1967), aunque, en este caso, sin dejar de ser una película de terror, en esta película los amantes del terror gozarán de la gran fuerza que despliegan las escenas más escabrosas - en gran parte gracias al magnífico maquillaje de Ken Díaz (La Cosa, Piratas del Caribe)- como la del ataque en casa de Charly, los enfrentamientos entre Peter y "Rata", o la"Batalla final" en la guarida del no muerto. Una atmósfera bien lograda que complementan a la perfección la composición musical de Brad Fiedel (Terminator 1 y 2, “Mentiras arriesgadas”) y una buena ambientación a caballo entre lo "moderno" y lo "retro". Todo ello bajo la dirección de un Tom Holland (quien repitió éxito al mostrar al mundo uno de los iconos más conocidos del cine de terror, "El muñeco diabólico", 1988)que escribió y dirigió la que para mí es su mejor película. Por poner un pero, me resulta un poco descafeinada la "intrusión" del idilio entre Amy y Jerry; aunque gracias a esto se logren las hipnóticas escenas del baile y de la "conversión" de Amy.

Fotos

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 Presupuesto: $9,000,000
 Ganancia: $24,922,237
 País: USA

SMILEY

ESTADOS UNIDOS, 2012

TÍTULO ORIGINAL: Smile

DIRECTOR: Michael J.Gallagher
PRODUCTOR: Michael Wormser

GUION: Michael J.Gallagher, Glasgow Phillips

REPARTO: Caitlin Gerard, Melanie Papalia, Shane Dawson

DURACIÓN: 90 minutos

WEB: http://smileymovie.com/

IMDB: http://www.imdb.es/title/tt2025667/

Calificación: 4/10

LULZ: El termino Lulz es una derivación de LOL (Laught out loud). Según un artículo del New York Times sobre los ataques troll o bromas en internet, el termino significa “El orgullo de haber desequilibrado emocionalmente a la victima”. El uso del término se puede ver cuando un grupo de atacantes o bromistas dicen que hacen algo “for the lulz”, que más o menos sería que el objetivo del ataque es el disfrute de los desequilibrios que se causen contra la victima o victimas.

Smiley es un  slasher regular que basa todo su argumento en el internet, redes sociales y nuevas tecnologías, utilizando mucha terminología especifica de la red que si estas mínimamente familiarizado con ella te servirá para descubrir el final de la película a los cinco minutos de darle al play.

Los primeros minutos de la película se utilizan para presentarnos una leyenda urbana que circula por internet: si te encuentras chateando con alguien y escribes tres veces una misma frase invocas al mal y la persona con la que hablas será asesinada por un asesino conocido como Smiley.

El aspecto de este asesino es brutal, un rostro plano en el que tiene cosidos los ojos y una sonrisa que recuerda al famoso emoticono que le da nombre. Por desgracia se trata de un personaje que esta totalmente desaprovechado, ya que una vez presentada la historia pasa a un segundo (o tercer) plano y lo que todos esperábamos que fuera un sanguinario slasher se convierte en una especie de thriller psicológico con muy poca gracia.

Ashley (Caitlin Gerard) es una joven que va a comenzar la universidad y por ello se muda de casa y se instala con otra joven estudiante, Proxy (Melanie Papalia). Ambas acuden a una fiesta convocada a través de internet y allí conocen la leyenda de Smiley. Una vez en casa deciden comprobar con sus propios ojos si esta leyenda es real o solamente es una más de las miles de bromas que circulan por la red: escogen su victima, escriben la frase y matan a un joven inocente.

A partir de entonces la película se centra en la psique de Ashley, en su descenso a la locura en el cual llega un momento en que no es capaz de distinguir la realidad de la ficción y en el que la paranoia se apodera de ella. Se siente acosada a todas horas por Smiley, y como si de Freddy Krueger se tratara le visita en sueños provocándole unas terribles pesadillas.

Todo esto sucede sin ninguna muerte de por medio y con unas charlas cientificofilosóficas entre Ashley y su profesor de universidad (interpretado por Roger Bart) que no llevan a ningún lugar y no aportan absolutamente nada al desarrollo de la película.

El desenlace como hemos comentado al principio es 100% previsible si estas un poco familiarizado con alguno de los términos que se utilizan a lo largo de la película, en caso de no ser así puede resultarte una troleada (termino que también esta muy relacionado con la película) en toda regla.

Smiley supone el debut en un largometraje del jovencísimo director estadounidense Michael J.Gallagher , que a sus 23 años ya ha obtenido diversos reconocimientos gracias a algunos de sus cortometrajes.

A la película le faltan muertes y sangre, ya que se ha vendido en todo momento como un slasher y las referencias a estas películas son latentes durante todo el metraje, siendo Candyman, Scream y Pesadilla en Elm Street sus principales inspiraciones.

Pero es que el film tampoco funciona como thriller psicológico, la tensión es prácticamente nula, en parte gracias a la sobreactuada interpretación de Caitlin Gerard, mala mala mala. El resto del reparto también es bastante lamentable, pero quedan eclipsados gracias a la insoportable actuación de su protagonista.

Por lo que hace al final, a parte de previsible, resulta bastante inverosímil y absurdo. Da la sensación que Michael J.Gallagher ha querido poner toda la carne en el asador durante esos últimos minutos para sorprender al espectador pero no lo consigue, y es que la película es tan aburrida que llegamos a esos últimos minutos desganados y lo que menos nos apetece es que nos intenten tomar el pelo.

Resumiendo, Smileyes la peor opción posible para una tarde de domingo en la que te apetece ver un slasher sin grandes pretensiones, ya que te encontraras con una película que se queda a medio camino de nada y con la sensación de haber tirado la tarde a la basura. Michael J.Gallagher si tu intención era trolearme lo has conseguido!!

Nailbiter

 

Argumento

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Esta trata de una mujer con problemas con la bebida causados por las larga ausencia de su marido que es un militar de los Estados Unidos, ellos tienen tres hijas en edad adolescente, luego de un tiempo el papa viene de permiso y toda la familia sueña con el anhelado reencuentro, por lo que deciden hacer un largo viaje hacia el aeropuerto por muy nublado que esté el cielo, este siempre se termina despejando, siempre, y entonces, asoma el sol y brilla con más fuerza que nunca, porque a veces, el brillo del sol puede ser la cosa más bonita del universo., en otra ciudad, muy lejos de su hogar, para darle la bienvenida: “No quiero que lo primero que vea al bajar del avión, sea la cara de una azafata en lugar de la mía”, justifica la madre a sus tres hijas el largo viaje que les aguarda por delante.

En este caso la familia tiene problemas cuando atravesando una pequeña población, un tornado hace acto de presencia y con él, el caos. En busca de refugio, madre e hijas se cobijan en el sótano de una casa de campo a la espera de que pase la tormenta, de que todo regrese a la normalidad y puedan continuar su camino hacia la felicidad, porque siempre hay un camino a la felicidad, aunque a veces nos cueste vislumbrarlo entre la niebla del dolor y la desesperación. Pero acechan tantos peligros a lo largo del camino, tantos problemas que escapan a nuestro control, que a veces es difícil recorrerlo sin toparte con uno de narices y quedarte paralizado ante tu propio y terrorífico reflejo en el espejo, por más bella que una sea.

En ese sótano, lejos de la salvación, lo que la familia encuentra es una llave que abre la puerta de sus peores pesadillas, de aquellas que te agarran el estomago con fuerza y aprietan, aprietan tanto que siquiera eres capaz de comer, de respirar, de sonreír. Un oscuro secreto, estos siempre lo son, se esconde en los habitantes de la casa, y estos no permitirán que madre e hijas prosigan con el viaje que les debe alejar del infierno. Porque el infierno siempre termina por alcanzarnos y es entonces, cuando uno debe demostrar quien es, de que está hecho, demostrar que a veces, dos simples palabras, pueden apaciguar el dolor.

Y bueno todo comienza bien, esta que os acabo de relatar, interesante al comenzar porque bueno, pocas veces se ve a una madre y sus tres hijas en la carretera en esta nueva “road-movie” sobrenatural la cual me es imposible no comparar, con la francesa “La Meute” , con la cual además, guarda en común un mismo adjetivo: decepcionante. Y es que pasada la tormenta, siempre llega la calma, al menos eso dicen, ojalá tengan razón, y en “Nailbiter” esto puede aplicarse a las mil maravillas, pues cuando el huracán ya ha montado todo el escenario de la obra y se marcha por donde vino, de allá de donde quiera que vengan los huracanes, es cuando la calma se ahoga en sus propios fluidos corporales, en su propio vacío, en su propia soledad y florece en negativo hacia el más absoluto de los tedios. Tortura hacia un espectador que una vez abre la caja que tan bien envuelta venía, descubre que lo que hay dentro no es ni mucho menos lo que esperaba, y lo odia, y bueno la película comenzó bien pero luego decae, la película nos sumerge en un sótano desgradable, junto a cuatro mujeres asustadas que intentan comprender el mal que las está engullendo, algo sobrenatural que tira demasiado de artificios para intentar tapar sus carencias, de entrada, que no tiene absolutamente nada que contar que no se haya contado antes, que no tiene ni una sola idea propia que poner sobre la mesa y que las que maneja, prestadas, lo hace con desidia y alarmante falta de chispa... pobres de aquellos que pierdan la chispa... y más pobres aquellos que le encuentren más allá de las estrellas y no puedan alcanzarla más que en sus sueños. Pues será su vago recuerdo, al despertar, lo único que hará más llevadero el dolor de la corrosiva nostalgia y entre tanto, el espectador que sigue precipitándose por el vacío que lleva a la cama antes de hora, y ve pasar durante la caída por su lado, personajes desdibujados, tópicos en forma de policía inocentón (pobre de aquel que peque de inocente en tierra de serpientes y pobre también aquel que peque de astuto e intente manipularlas, dirían aquellos mal pensados que se han olvidado de pensar), situaciones de manual obsoleto y unas criaturas que se dejan ver muy poco, no por tímidas, por cutres. Y es que la falta de recursos artísticos de “Nailbiter” salta a la vista cuando se nos muestran de refilón las criaturillas que se esconden detrás del escenario durante la primera hora de metraje, muchos más resultonas insinuando, que enseñando, pues parecen sacadas de alguna atracción de terror de feria ambulante de segunda y es que cuando oigas ruido de cascos, lo más probable es que sean caballos, no unicornios, como me dijo no hace mucho alguien que sabe bastante más de todo que yo, aunque él tiene la ventaja de no ser de este mundo.

 

Fotos

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The Barrens

La trama de esta va asi,  con  su reticencia, Richard Marlow lleva a su esposa Cynthia y a sus hijos Danny y Sadie al pinar de Barrens para pasar un fin de semana acampando en familia, pero a  medida que llegan al bosque, se encuentran diversos animales ensangrentados, todo empeora cuando llega la noche y un niño del camping desaparece en el bosque, aún asi, Richard insiste en adentrarse más en el bosque hasta el lugar donde solía acampar con su padre.

Bien es comprensible el sentimiento familiar del protagonista que quiere recuperar parte de su infancia e inculcarles a sus dos hijos lo importante que es tener un refugio, un lugar en el que sentirte seguro e ir siempre que quieran.

El más pequeño lo sigue con los ojos cerrados, pero la chica adolescente solo quiere estar conectada con el móvil y sus amiguitos y pasa bastante de acampadas familiares con una madrastra que no soporta.

Y es que esta película trata sobre todo de la familia, de como el señor Vineyard se lleva a toda la familia de camping con tres objetivos: el de que sus hijos vean y disfruten de la naturaleza, unir más los lazos familiares y esparcir las cenizas de su difunto padre en el lugar en el que él de pequeño había disfrutado tanto.

Hasta aquí parece que os hable de un drama familiar de estos chungos de telenovela, así que nos falta el toque que tanto nos gusta: lo sobrenatural.

En este caso Darren Lynn Bousman apuesta por una historia de un monstruo. Una historia que me ha molado. La del Demonio de Jersey, un bípedo volador con pezuñas similar a un canguro con cara de caballo, cabeza de perro, alas de murciélago, cuernos, brazos pequeños, garras y una cola bifurcada. Vaya que si lo ves te cagas encima, fijo.

Ahora que tenemos una segunda parte descrita nos podríamos encontrar con un típico drama familiar con monstruito que les persigue y corren, se esconden, tropiezan, se asustan y bla bla bla… o sea un survival o algo por el estilo.

Pero menos mal que Bousman se ha vuelto a poner las pilas y cambia lo que podría haber sido otro survival en una película de terror psicológico, mezclado con una pizca de thriller y un final sorpresa –si más no, lo pretende, ya que da demasiadas pistas para que el final no sea tan asombroso como hubiéramos querido-.y es que “The Barrens” nos adentra en la psique de un padre desesperado por salvar a su familia de una ¿paranoia? de la que tan solo él sabe la verdad.

¿Por qué Bousman se ha puesto las pilas? Porque las recargó y aprendió de las soporíferas tres partes de “Saw” que dirigió, para más tarde parir una obra maestra como es “Repo! The Genetic Opera”. Ahí no se puso las pilas, ahí se recargó con toda la central eléctrica entera. Con este musical gótico me dejó el listón demasiado alto y me di de bruces con sus dos siguientes películas. La sobrevalorada “Mother’s Day”, vale la DeMornay está de puta madre pero coño, hace el mismo papel que hizo en “La mano que mece la cuna” y la historia en sí es paupérrima.

Después nos soltó la innombrable “11-11-11”, un castigo de Dios sin lugar a duda. La de “The Devil’s Carnival” todavía la tengo que ver así que me guardo la opinión.

A ver, “The Barrens” no es una puta maravilla ni pasará a formar parte de ningún tinglado de lista de lo mejor del año ni mucho menos. Hasta bien entrada la película, más bien diría hasta bien terminada la película no pasa casi absolutamente casi nada. Se cuentan un par de historias, un par de ciervos muertos y ya. Es tan solo en la recta final cuando se desvela todo el misterio y es cuando la cosa se pone interesante. Así que bien pensado, y después de redactar esto, las pilas las ha dejado a medio cargar.

Sí, me suele pasar esto, que al escribir una crítica de una película a medida que avanzo en la escritura me voy acordando de si me ha dejado huella o no, y creo que ésta solo me ha dejado la huella de volver a ver a Mia Kirshner y porque no decirlo al tipo de “True Blood”, Stephen Moyer, el principal conductor de la película y del que no puedo decir nada en contra.

Recomendaría “The Barrens” a toda esta gente que empieza a muy temprana edad a ver películas del género, para que se vaya acostumbrando a la narrativa de la que suelen tirar muchos directores: familia con problemas, historias de terror al lado del fuego, el monstruo… o simplemente para los espectadores ya curtidos que quieran pasar un rato entretenido sin buscarle una quinta pata al gato. Primero porque no hay gatos con cinco patas y segundo porque al terminar la película seguro que queréis un disfraz del Demonio de Jersey para el próximo carnaval.

 

Holy Motors

 

Holy Motors es una de las mejores películas del 2012, de la misma manera que la también importantísima Inland Empire fue la mejor en su momento, me gustan mucho las palabras de moderado escepticismo de Jonathan Rosenbaum cuando habla de que estas películas cuentan siempre con un grupo de críticos , casi todos ellos listos para halagar la película, estamos acostumbrados a un cine en el que se nos explique una historia que comporte un punto A y termine en un punto B todo claro y sin muchas complicaciones, eso se agradece ya que el cine es para distraer, pero a veces también es para enseñar, otras para aprender.

 

“Holy Motors” tiene un poco de todo, pero lo que destaca más es que no hay punto A ni B sino que muchos puntos convergen entre sí formando una tela de araña de lo más surrealista. Y es ahí donde me ha atrapado, ya que al finalizar la película he podido sacar tres observaciones de lo que yo he entendido. Puede, y casi estoy seguro, que se me haya ido la olla y ninguno de los tres argumentos que os daré a continuación tenga nada que ver con la peli. Es por eso que todavía la hace más grande. Una película que te cautiva, menos los primeros 10 minutos que son puro aburrimiento y que por azar del destino, bueno más bien porque no tenía nada más a mano, no le di al Stop y por eso doy gracias a… ¿mi dedo? 

Mi primer punto de vista sobre la película de Leos Carax es sobre lo que somos y/o pretendemos muchas veces ser. Sería así como un Quisiera ser… A través de varios segmentos vemos al protagonista interpretar varios papeles. Unos tristes, otros alegres, otros tétricos. Dejadme utilizar a Dexter de conejillo de indias y nombrar su compañero de fatigas. ¿Os imagináis poder liberar a nuestro/s pasajero/s oscuro/s sin temor a nada? Solo dejarse llevar por los pensamientos primitivos sin miedo a represalias morales del que dirán y no sucumbir a los ojos ajenos? Ser actores en un gran circo e interpretar los papeles que más se nos antojen teniendo en cuenta que cada personaje lleva consigo un determinado sentimiento. De esta forma podemos experimentar con diferentes sensaciones en diferentes personajes para así conocernos un poco más a nosotros mismos. Pero ahí está la paradoja, ya que si somos varios actores ¿quién sería realmente el yo? De esta manera encontramos otra respuesta a las mil incógnitas que nos ofrece la película. El yo. En este sentido quiere reflejar un presente en el cual vivimos, en el que parece que nos hemos olvidado de quienes somos realmente. Actuamos según unas normas éticas impuestas por otros, así crecimos y nos educan sin enseñarnos como afrontar ciertas dificultades emocionales. Y es ahí donde volvemos a querer ser otras personas. O acaso, ¿Cuándo estás triste no te gustaría ser el vecino que oyes reír?

La contraposición a todos estos caracteres se nos muestra al principio de la película en una platea de teleespectadores que parecen dormidos en una clara referencia a nuestra sociedad. En que parecemos muchas veces zombies, alejados muchas veces de nuestro yo y de la realidad que nos rodea.

Y por último, las máscaras. Son símbolos de timidez, de cobardía, de una autoestima mermada por los años. Pero también son símbolos de valentía y coraje ya que muchas veces necesitamos ponernos una máscara para seguir adelante. El actor de “Holy Motors” no se pone físicamente ninguna máscara, el maquillaje hace parte del trabajo pero no es este apartado que quiero resaltar, lo que quiero decir es que no le hace falta ninguna máscara para actuar tal y como quiere, meterse en la piel de otras personas.

Salir de la rutina. Y atentos a esta frase porque para mi es todo el significado de la película.

La película toca muy bien este tema y creo que puede ser el más plausible, pero aun así quedan muchas cosas que contestar y a eso nos lleva al segundo punto.

 

Otra teoría, esta ya es más fantástica, es que la película trata sobre Dios, los ángeles y los humanos. Dios sentado en su trono utiliza a sus primeros hijos para deleitarse y no aburrirse con la rutina en la que se han envuelto los humanos. He llegado a este punto por un par de anécdotas que nos cuenta el film. El protagonista primero nos dice que antes había cámaras enormes y ahora es todo tan pequeño que le cuesta meterse en los papeles asignados. Más adelante se le aparece un hombre preguntandole si todo va bien, ya que le nota un poco tenso. ¿Acaso Dios ya no está contento con su actor?, el actor muere un par de veces, pero como estaba en un papel vuelve a resucitar cual actor para encarnar otra película, y por último ese final con las letras bien grandes de HOLY MOTORS y el prólogo de las limusinas. Sublime. Estamos tan apagados que hace falta ayuda exterior para que el mundo no se oscurezca y termine como en “Un mundo feliz”, todos igual, todos con el mismo pensamiento… aunque al paso que vamos no me extrañaría nada terminar más como en “1984” pero eso otra historia que hay que contarla en otra ocasión.

La última propuesta es simple, puede que penda de un hilo pero pensándolo bien ¿Por qué no?

Aquí tan solo nos centraríamos en dos personajes, el actor principal y el personaje de Kylie Minogue. Mi teoría es que los dos, en tiempos pasados, habían tenido una hija y que murió. Durante años, los dos han vivido separados intentando buscar el significado de sus vidas haciendo cosas, buscando respuestas en otros lugares, convirtiéndose en personas que quizás nunca se hubieran imaginado al verse en el espejo.

Ganadora del Festival de Sitges del año pasado. Aunque soy un defensor de la película de Carax y lo fui en su día de la de Smith el Festival me ha vuelto a decepcionar. Son películas buenas, muy buenas; pero no entran en lo que a mi parecer sería dentro del género. Si las metieran en otra sección supongo que no habría tanta controversia ni rabia hacia dichas películas pero al ganar un festival de estas características no me cuadra mucho. Según rumores, esos rumores de red, a veces ganan por favoritismo, de esta manera tienen una mejor distribución que otras que seguro que las exhiben en todas partes. Aun así, no es excusa. Señores he dejado de creer en los premios de grandes festivales así que si dejamos atrás este punto podremos disfrutar de un montón de películas más sin necesidad de llegar a detestarlas tan solo porque no era de nuestro agrado que ganaran cualquier galardón que teníamos en mente algún que otro título.

 

Byzantium

Argumento

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Película que esta interesante, va asi, dos misteriosas jóvenes llegan a una pequeña ciudad inglesa, no se saben sus edades ni su relación. La mayor, Claire, empieza a trabajar en el pub local; mientras que la menor, Eleanor, va a la escuela.

Desde los mismos inicios del cine, el tema del vampirismo ha sido uno de los más recurrentes dentro, sobre todo, del género del terror. Nosferatu (1922), de F.W. Murnau, puede considerarse el primer gran éxito del subgénero, estableciendo muchos de los tópicos que se irían repitiendo en multitud de películas a lo largo de las décadas siguientes. Exceptuando las distintas versiones que conoció la novela de Bram Stoker Drácula y alguna cinta a contracorriente –la estimable El ansia (1983) de Tony Scott–, pocos títulos han sabido explotar con rigurosidad y elegancia el enorme potencial de la figura de estos melancólicos seres condenados a una inmortalidad tormentosa. El director irlandés Neil Jordan, que en ya había ofrecido una auténtica joya al cine fantástico con la reivindicable En compañía de lobos (1984), logró adaptar con gran éxito una popular obra de Anne Rice en la notable Entrevista con el vampiro (1994). Aquel título supo aunar el afán comercial de cualquier trabajo protagonizado por Tom Cruise o Brad Pitt, con ciertas ambiciones artísticas. Jordan realizó una elegante y magnífica revisión del mito, mostrando a unas criaturas más dignas de lástima que de terror, una suerte de héroes románticos que no entendían de sexos. En los últimos años, extraños (que no desdeñables) híbridos como 30 días de oscuridad (2007) o Daybreakers (2009) han explotado la faceta más espectacular del asunto, mientras que las adaptaciones de la saga Crepúsculo de Stephenie Meyer han arrasado entre el público juvenil, a la vez que han servido para darle un tono demasiado ligero y cursi a la figura de los chupasangres que flaco favor le hace al subgénero. El antídoto contra tal desprestigio llegó en 2008 desde Suecia con la magnífica Déjame entrar de Tomas Alfredson (y su posterior remake americano), que mostraba el tierno (y a la vez macabro) romance entre un introvertido niño víctima del bullying y una misteriosa vecina que resultaba ser una vampiresa. Ha tenido que volver Neil Jordan para devolver al cine vampírico todo el esplendor perdido conByzantium, filme que recupera el mejor pulso del realizador, últimamente no muy acertado con sus proyectos.

Fotos

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Weird Science

Una maravillosa película escrita y dirigida por John Hughes, en la cual combinó el cine de adolescentes de los 80 con notables dosis de fantasía y ciencia-ficción. La trama, por supuesto, no puede ser más increible o inverosimil: unos chavales, con unos computadores caseros de los 80 crean una mujer perfecta. Una entidad creada con tecnología super-avanzada, que es super-guapa, super-inteligente y encima tiene... ¡PODERES MÁGICOS! Con sus poderes es capaz de sacar de la nada cosas como pistolas, cambiar la ropa de la gente a voluntad o incluso convertir personas en monstruos. En fin, la mujer y dos chavales adolescentes(el bocazas rubio y el empollón tímido) vivirán un montón de aventuras de los 80, entre fiestas, clubs, ferraris y porsches. ¡hasta de la nada saldrán en medio de la casa un misil nuclear o como no un terrible grupo de mutantes! EL DESMADRE ES TOTAL. La película funciona y muy bien, porque es nostálgica, muy divertida e incluso con un ingenio fuera de lo común. Ver la película, para un tipo como yo cercano a los 40, es como meterse un tripi y flipar volando por placenteras sensaciones del pasado, evocando los inigualables años 80. Para un chaval de ahora probablemente el film les resulte infantil o estúpido. La película en realidad es un moraleja TRAIDORA. Es decir: que con medios(deportivos, ropa cara, fiestas impresionantes, lujos, etc...) se puede conseguir el éxito social. Vale, ok, pero unido a echarle pelotas y cara a la vida. Vamos, que sí te lo crees serás el rey de la fiesta. La confianza hace mucho: eso lo he visto con mis propios ojos. Pero no todo el mundo tiene los MEDIOS que propugna el film. ¿Cuantas personas conoceis que tengan un ferrari? Pero como fantasía de que uno puede llegar a obtener cosas de forma rápida, mágica y maravillosa, es fenomenal esta película. Uno puede llegar a ver en este film un sueño adolescente y loco lleno de fantasías, de triunfo y de éxito, cuando uno está sumido en un mundo gris, mediocre y siendo un don nadie. ¿Quién no ha soñado todas esas cosas? La película recaudó en su entonces(1985) 16 millones de dólares en USA, que comparados con los 40 de La chica de rosa(1986), los 23 de 16 velas(1984), los 45 del Club de los cinco(1985) o los 70 de Todo en un dia(1986), comedias adolescentes de John Hughes de aquel entonces, quedaron en poco. Pienso que el film no es inferior a los otros, sino de catadura distinta, loca y desenfadada. Una excelente comedia fantástica de unos tiempos YA PASADOS. Kelly LeBrock venía de su por aquel entones sensual y sonado papel en La mujer de rojo(1984) antes de comerse el traumatico matrimonio que luego viviría con Steven Seagal de 1987 a 1996. Decir que ya venía de un divorcio con Victor Drai, con el que se había casado en 1984. Otros actores que salen son Michael Berryman, de Las colinas tienen ojos, parodiándose a si mismo y Vernon Wells, también parodiando su papel de motorista salvaje en Mad Max II.

Sobre todo de La mujer explosiva es interesante analizar el vestuario: es de estudio social obligado. ¿De dónde nació, quienes fueron sus padres creadores, como se extendió y por último porque se extinguió? Eso daría para un interesante artículo, si señor. Esta película es tan divertida como inolvidable. ¡Qué ratos más maravillosos he pasado disfrutando con ella!¡La escena de la discusión por las pajas del chaval es fabulosa!