Google+

Entradas populares

Comparte

La increíble épica

martes, 29 de mayo de 2012

Saint







San Nicólas es ahora un monstruo. Ninguno es lo que nos dijeron siendo niños. Sin embargo, este supuesto santo varón es el autor de una serie de crímenes cometidos a pequeños niños en un remoto poblado. Acorralado en la costa y sin posibilidad de escape, los padres de estos menores deciden aplicar la justicia por su propia mano. Lo que ellos no saben es que estàn a punto de desatar una ira infernal que los perseguirá durante siglos.

En los Paises Bajos, lugar abiertamente liberal y uno de los menos católicos en la Europa Occidental, se produjo durante el año 2010 cierta controversia alrededor de un pequeño film de horror, de bajo costo, sencillo y ahora resulta que tambien provocador.


"Sint" constituye el regreso a la pantalla del realizador holandés Dick Maas, recordado cineasta y autor de un par de titulos de culto del cine ochentero de horror, si se tiene en cuenta que su fama cruzó el océano hasta Norte y Sur América en aquellos días, sin internet de por medio. Estos fueron los clásicos "El ascensor", entretenida cinta donde un simple ascensor cobra vida para aniquilar a todos sus usuarios. Y asimismo, la efectiva "Amsterdamned, el misterio de los canales", un thriller policial con un "serial killer" que parece sacado de un slasher norteamericano. Siendo poco prolífico, fue en los años 90´s cuando pudimos apreciar otro film suyo titulado "Testigo oculto". Un thriller entretenido, algo dinámico, pero intrascendente por carecer de sorpresas en un guión muy mejorable y por el desaprovechamiento de sus actores convocados, siendo éstos el oscarizado William Hurt, la actriz Jeniffer Tilly, el siempre eficiente Dennis Leary, y junto a ellos Corey Johnson y Michael Chiklis como un par de malosos de caricatura.

No supimos más de este director holandés hasta el año 2001 en el cual circuló en moribundos videoclubs el remake de su clásica obra sobre el ascensor asesino, dirigido por él mismo, pero esta vez protagonizado por la actriz emergente Naomi Watts, ampliamente reconocida ese mismo año por su actuación en la cinta de David Lynch "Mulholland Drive". Tampoco hallamos mayores sorpresas en este film por cuanto Maas se limita a poner al dia estéticamente su viejo cuento. Luego de ello se perdió de vista por completo.

Fue en las noticias del festival de Sitges 2011 donde tuvimos conocimiento de esta nueva incursión de Dick Maas en el género que le dio renombre. De vuelta a las labores, el director pone manos a la obra y como es habitual en él su labor no se limita sólo a la dirección, pues abarca tanto la producción como los guiones e incluso la música incidental. Asimismo, se reúne con su cómplice habitual, es decir, su actor fetiche el señor Hub Stapell, protagonista de sus clásicos ochenteros, pero aquí convertido en el monstruo de San Nicolás. El resto del elenco incluye al actor Bert Luppes y a los juveniles Egbert Jan Weeber y Caro Lenssen, entre otros.


"Sint" es una visión perversa de lo que supuestamente es un ícono de la cultura popular como es la figura de Santa Claus, y hacia ella apunta en forma afilada, literalmente. Asimismo, el trasfondo religioso que ello implica, es decir la imágen de San Nicolás con el rostro convertido en un zombie, ataviado en túnica y portando una mitra clerical, despertó el reclamo de los sectores más conservadores de los ciudadanos holandeses que vieron en ello un peligro para las mentes de los menores de edad. Sin embargo fueron otros quienes comprendieron que el arte se justifica por si mismo, y por ello esta ilustración fue premiada en el año 2011 con el TV Krant Filmposter Award como el mejor póster hecho para un film.

La pelicula empieza brillantemente con un prólogo que desenmascara la maligna naturaleza de San Nicolás, un asesino lider de una banda de forajidos que finalmente es ajusticiado de manera cruel al interior de su barco, dando origen a una maldición que se desata cada 36 años, en noche de luna llena. Pese a esta seria connotación terrorífica, la cinta discurre en su primera media sobre situaciones cercanas al cine de terror adolescente, y son la parte menos interesante de toda ella. No obstante, el asunto mejora cuando la acción arranca a todo galope: lo mejor de "Sint" se encuentra en la acción nocturna desplegada en las calles de Amsterdam, lugar favorito del director, donde las persecuciones y los enfrentamientos se suceden en buena forma, aunque, lo sabemos, sin alcanzar la espectacularidad vista en "Amsterdamned", donde las aguas del canal central eran el escenario para la carrera sin tregua de pequeñas lanchas, la cual se extendía hasta sus estrechas calles; de todas maneras, se nota la hábil mano del director para desarrollar las situaciones de acción requeridas, aún empleando pocos recursos.

Además, cuando el monstruo asesino hace su aparición en primer plano, la pelicula toma el camino del splastick, con algunos desmembramientos, decapitaciones y otros recursos visuales del cine gore, pero menos artesanal y más digital, siendo dotados con ciertas dosis de humor. Después de todo, Dick Maas nunca ha sido muy devoto del terror más crudo. A pesar de ello, San Nicolás se convierte en una curiosa mezcla de zombie y espectro, rodeado de engendros nocturnos que recuerdan a los seres malditos de "The Fog" de John Carpenter, sobretodo en una secuencia neblinosa en los muelles.

En definitiva, "Sint" alcanza un nivel aceptable de entretenimiento, aún sin atreverse en la búsqueda de mayores pretensiones en cuanto a horror y a materia terrorífica, y de todos modos resulta un curioso cuento que deja muy mal parado a uno de las imágenes emblemáticas del marketing navideño, y por qué no, a la figura de un santo patrón de antigua tradición. Asi que, por favor, abstenerse conservadores.

domingo, 27 de mayo de 2012

Gallowalkers

Gallowwalkers es la película perdida del director Andrew Goth que tiene como protagonista al tito Snipes, Wesley Snipes. Wesley es Aman, un increíble pistolero, duro como el acero; que ha matado a los hombres que lo maldijeron. Y esa maldición es que todo aquel que Aman asesina, vuelve a la vida. No estaba muerto que estaba de parranda. Los muertos se levantan de sus tumbas, pero estos muertos no son esos muertos lentos y tambaleantes de los clásicos de toda la vida, estos zombis son feroces, ansían la piel humana y son terroríficamente elocuentes. También tienen un propósito para levantarse pero es ridículo y mejor no os lo cuento.

No quiero comentar muchos espoilers de la película ya que hay muchos cabos sueltos al inicio de la misma que empiezan en la historia desconectados totalmente a simple vista y muy confusos, de hecho es difícil saber qué pasa en el comienzo. Pero para el final del metraje todos los cabos se han ido uniendo hasta llegar al clímax de: “ah, vale. Era eso.” Y preferiría que aquel que se aventurara a verla, lo descubriera todo por sí mismo.

La película perdida fue rodada en Namibia en 2006 y se hizo famosa por ser la última película que Wesley Snipes rodó antes de ser arrestado por evadir impuestos. Ha estado en el cajón todo este tiempo y se creía una causa perdida hasta que el productor Jack Bowyer se hizo con ella. Cowboys vs zombis fue una idea soñada en un tiempo muy anterior a esos cowboys que se enfrentaban en una acción sobrenatural contra los aliens.

Como cualquier película olvidada, el que más o el que menos esperaría lo más bajo de ella, por algo es que no había salido en años a la palestra, pero Gallowwalkers no es una peli mala en el sentido estricto de la palabra, de hecho es muy entretenida, sorprendentemente entretenida… sobre todo si te gusta la sangre, el gore y las espinas dorsales que salen volando. Que de eso hay para aburrir. Pero es terrible debido a todas sus taras. El estilo del metraje es atrevido y muy gráfico, algo que combinado con el argumento complejo y original y su disponibilidad discreta para el público harán de la cinta una peli de culto en un futuro. (Lo veo, lo veo venir). Pero será de esas que pertenecen a las pelis de culto que envejecen con el culo.

Allá vamos con las debilidades:

Dirigida por Andrew Goth pero escrita por Joanna Reay tiene a parte de nuestro Wesley, a Riley Smith (el prisionero que elige Aman para que le ayude en su venganza), a Diamond Dallas Page (vamos sin nombre), Simona Brhlikova (esto lo he tenido que revisar tres veces porque me dejaba alguna consonante seguro) y Jonathan Garcia completando el elenco de actores. Muy correctos todos ellos, tampoco la interpretación de sus vidas, ya os lo digo aquí y ahora. Wesley Snipes es buen actor, joder; ¿por qué no le dan algo bueno qué hacer?

La banda sonora es infrahumana, es posible que la haya elegido un niño de 3 años que ha encontrado un casiotone. Las actrices son muy guapas fuera de pantalla, alguien decidió caracterizarlas para que no lo parezcan dentro. Hay una voz en off, que no es Snipes; pero si es alguien de color. Igual no notábamos la diferencia… o a Snipes le da vergüenza leer delante de la gente, no lo sabremos nunca.

Gallowwalkers se pudo ver en Vue West End, en Leicester Square (Londres) el 27 de octubre como parte del festival Film4 Frightfest 2012. Toda la polémica alrededor del nuevo estreno se ha vuelto a disparar ya que los tres años de prisión que le fueron sentenciados a Snipes se acabaron este verano. Así que la productora había decidido crear un aura de misterio sobre fechas y pases desde que se hizo con los derechos hasta ahora. O también puede ser que Wesley, necesitando el dinero en su momento; creyera que era buena idea rodar la peli y sacarse unas pelillas y ahora le dé pánico atroz que se vea en pantallas. Porque intuyo que después de tres años entre rejas, lo que querrá este señor es hacer pelis y volver a ser el querido Blade (y no me refiero a que haga más pelis de Blade, si no personajes que sabe que la gente recuerda y adora), y yo no creo que Aman vaya a ser recordado e idolatrado por nadie.


lunes, 21 de mayo de 2012

The Kiss







Título original
The Kiss
Año
1988
Duración
101 min.
País
 Canadá
Director
Pen Densham
Guión
Tom Ropelewski
Música
J. Peter Robinson
Fotografía
François Protat
Reparto
Joanna PaculaMeredith SalengerMimi KuzykNicholas KilbertusSabrina Boudot,Shawn LevyJan RubesCéline LomezDorian Joe ClarkRichard DumontPriscilla MouzakiotisTalya RubinPhilip Pretten
Productora
Coproducción Canadá-USA; Astral Film Enterprises / TriStar Pictures / Trilogy Entertainment Group
Género
Terror
Sinopsis
Cuando la madre de Amy fallece misteriosamente, su tía Felice (desconocida por ella hasta ahora) se muda a su casa. El padre de Amy sucumbe a los encantos de Felice mientras comienzan a ocurrir extraños sucesos.

jueves, 17 de mayo de 2012

Elysium

Neill Blomkamp hizo internacionalmente conocido su talento  para crear películas futuristas con la sorprendente “Distrito 9” que me gusto bastante, ahora dirige a Matt Damon en “Elysium” que transcurre en el año 2159 para mostrarnos un mundo dividido radicalmente en dos clases sociales: ricos y pobres, los de arriba (los que viven en la estación espacial Elysium que órbita alrededor del planeta y donde gozan de todas las comodidades y avances científicos) y los de abajo (todos los demás que sobreviven como pueden en una Tierra devastada y superpoblada).

Rhodes (Jodie Foster), una dura gobernante, promueve una rígida ley anti-inmigración, cuyo objetivo es preservar el lujoso estilo de vida de los ciudadanos de la estación espacial. A pesar de ello, los habitantes de la Tierra harán todo lo posible por emigrar a Elysium. Max (Matt Damon) acepta una misión casi utópica, pero que, si tuviera éxito, significaría la conquista de la igualdad entre las personas de esos dos mundos tan opuestos.

La estación espacial Elysium es el cielo, el paraíso en el espacio, donde no hay hambre, ni enfermedad, ni pobreza... donde no hay lugar para la fealdad ni para la tristeza. Un hermético cielo de lujo y felicidad que solo unos afortunados pueden disfrutar mientras que el resto tienen terminantemente prohibido su acceso. Así Blomkamp establece la separación de clases.

Uno de los desgraciados que tienen que sobrevivir en una Tierra devastada es Max (grande Matt Damon), un exconvicto que ahora trabaja en una cadena de montaje y que de niño, como muchos, soñaba con subir al paraíso, entrar en Elysium. Para controlar a Max y a las harapientas masas las autoridades se valen de droides (que bien podrían ser los policías de nuestro país). Resignado, Max trabaja sin meterse en líos pero un día sufre un accidente que le condenará a una muerte segura. Su única opción es acceder a la tecnología médica de la que disfrutan los habitantes de Elysium. Por eso Max comenzará entonces su cruzada personal para llegar al paraíso, a Elysium, custodiado por la secretaria de Defensa Rhodes (magnífica Jodie Foster), que no duda en utilizar la fuerza letal para frenar los desesperados intentos de estos modernos espaldas mojadas o inmigrantes de patera. Max convertirá su odisea desesperada por salvar su vida en algo mucho más grande e importante.

Con un presupuesto superior a los 100 millones de dólares y con Damon, Foster y el genial Cooper en el reparto, no cabe duda de que estamos ante un blockbuster veraniego. Por ejemplo, el forzado enfrentamiento final con el malo de turno es uno de esos clichés deudores de su presupuesto. Pero esto no resta demasiado impacto en la fábula que Blomkamp construye. El director consigue mostrarnos con un marco futurista nuestras vergüenzas actuales.

Bien contada (Blomkamp es un narrador extraordinario), con ambientación espectacular, algunas secuencias de acción muy potentes y un sólido reparto, el film “Elysium” es puro disfrute sensorial. No es perfecta, pero es una de las mejores películas de ciencia ficción de la década cargada de acción, elementos más convencionales que “Distrito 9” con la que comparte muchos puntos fuertes, y un mensaje social.



lunes, 14 de mayo de 2012

'A cambio de nada': la honestidad del cine español

Miguel Herrán y Antonio Bachiller en A cambio de nada (Daniel Guzmán, 2015)
Antonio Bachiller y Miguel Herrán, de 18 y 19 años
respectivamente, son el alma de A cambio de nada
El cine español tiene un toque especial de frescura y honestidad capaz de calar hondo en los espectadores. Sobre todo el realizado con bajo presupuesto pero alta ilusión (o sea, la mayoría). O quizá, sencillamente, es que, como español, me identifico más fácilmente con las historias y emociones que tienen lugar dentro de nuestras fronteras. A cambio de nada (2015), la ópera prima de Daniel Guzmán —conocido hasta ahora como “el novio de la pija de Aquí no hay quien viva” pese a poseer el Goya al mejor cortometraje por Sueños (2003)— es un perfecto ejemplo de ello. En este drama social, las calles de Madrid —las mismas que he recorrido yo mismo una y otra vez— albergan una historia sincera y humana que, pese a los inevitables defectos de (casi) todo trabajo novel, logra llegar al corazón del espectador.

Miguel Herrán, Luis Tosar y María Miguel en A cambio de nada (Daniel Guzmán, 2015)
La influencia de los padres y la educación en nuestro
futuro es clave del desarrollo de A cambio de nada
Con A cambio de nada, Guzmán realiza un viaje al pasado: el suyo. Y es que el guion (escrito por él mismo) parte de las vivencias acumuladas durante su juventud, siendo el perdido protagonista (interpretado con soltura por el debutante Miguel Herrán) su claro álter ego. Como tantos jóvenes de ahora y siempre, Darío se encuentra en el momento menos certero de su vida: aquel en que todas las puertas están abiertas con impedimentos varios ante ellas (tal y como desarrollé en el popular artículo ‘Adolescencia infinita’). Para encontrarse a sí mismo, el chico necesitará realizar un pequeño viaje que lo acerque a la madurez y lo aleje de sus imperfectos padres (María Miguel y Luis Tosar, poseedor de tres premios Goya que lo sitúan a años luz del resto del reparto), demasiado ocupados en tirarse los trastos a la cabeza como para prestar atención a su hijo. Como si de Alicia en el País de las Maravillas se tratase, el joven se encuentra con personajes que lo ayudan a seguir caminando y otros que sólo ponen trabas en su camino, sin ser necesariamente buenos los primeros ni malos los segundos.

Cartel de A cambio de nada (Daniel Guzmán, 2015)
El cartel de A cambio de nada
juega con el propio título
El compañero de fatigas del joven, el regordete Luismi, es el amigo fiel por antonomasia: aquel que sigue a su aliado hasta el infinito y más allá, sin ser siempre consciente del destino al que se dirige. En realidad, está tan perdido como el protagonista, pero A cambio de nadano es su historia y, por tanto, el personaje está condenado a ser un mero apoyo narrativo. Eso sí: la credibilidad que le otorga el inexperto Antonio Bachiller lo convierte en todo un empático (anti)héroe. Prueba de ello es el galardón recibido en el pasado Festival de Málaga, donde la cinta también se hizo con las menciones a mejor película (Biznaga de Oro) y dirección, así como el Premio de la Crítica. Incluso hubo quien lamentó que Ernesto Alterio (Sexo fácil, películas tristes, de Alejo Flah) arrebatara a Miguel Herrán el galardón principal, aunque, siendo justos, bastante juvenil se mostró ya el palmarés. Lo que sí es seguro es que ambos intérpretes cuentan con varias papeletas de cara al próximo Goya a mejor actor revelación, al igual que Guzmán es un candidato claro de cara al concerniente a mejor dirección novel.

Antonia Guzmán y Daniel Guzmán en el set de A cambio de nada (Daniel Guzmán, 2015)
En A cambio de nada Guzmán dirige a su propia abuela,
de quien obtiene un trabajo tan divertido como emotivo
Otro personaje de vital importancia es el de Caralimpia (un Felipe García Vélez que recuerda al abogado picapleitos de Breaking Bad), que da trabajo y apoyo al joven en su taller pero no hace más que arrastrarle a la oscuridad donde se ha sumido. Para Darío, necesitado de una figura paternal que admirar, es un ingenioso triunfador, pero lo cierto es que no es más que un delincuente fracasado que representa las malas influencias a las que todos nos exponemos en la adolescencia. En la otra cara de la moneda encontramos al director del instituto, interpretado por el eterno secundario Miguel Rellán, ganador del Goya por Tata mía, de José Luis Borau, 1986) en la primera edición de dichos galardones. Irónicamente, él sí desea lo mejor para el protagonista, pero su alineación con la ley no le ha permitido ganarse su simpatía. Por desgracia, ambos personajes quedan olvidados por Guzmán, que desaprovecha la oportunidad de explotar sus contrastes y deja así costuras sin rematar. Lo mismo sucede con el personaje de Antonia, una anciana interpretada por la propia abuela del realizador (Antonia Guzmán) que recoge muebles abandonados para después revenderlos: en ella (la voz de la experiencia) Darío encuentra la combinación de calidez familiar y riesgo novedoso. “Abuela, si no es por ti, yo no podría dirigir, porque tú me has enseñado muchísimas cosas que yo voy a contar a partir de ahora”, dijo el cineasta al recoger la Biznaga de Oro.

Antonio Bachiller, Daniel Guzmán y Miguel Herrán en el set de A cambio de nada (Daniel Guzmán, 2015)
Antonio Bachiller, Daniel Guzmán y Miguel Herrán:
tres jóvenes talentos a los que seguir la pista
Y es que la fuerza y el alma de A cambio de nadason sus personajes, tanto los principales como los secundarios (la sensual vecina, la evocadora prostituta transexual…), interpretados con franqueza por el natural reparto. Indudablemente la experiencia de Guzmán como actor marcó la diferencia. El campo técnico es mucho menos importante (nada destacable, pero tampoco disruptivo) y la propia realización parece apostar por la invisibilidad, aunque el joven cineasta reconoce la influencia de grandes nombres como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Hal Hartley, Jafar Panahi, Mike Leigh, Alain Tanner, Erick Zonca, Thomas Vinterberg, Lars Von Trier, Michael Winterbotom, Kore-eda Hirozaku, Asghar Farhadi y Michael Haneke en su estilo veraz y cercano al documental. Yo veo más similitudes con el Fernando León de Aranoa de Barrio (1998) y Princesas (2005), mas todavía queda mucho para que Daniel Guzmán pueda compararse a tan experimentados realizadores. Empero, A cambio de nada destila fuerza y sinceridad gracias a partir de los dos únicos elementos imprescindibles de toda ópera prima: una historia que contar y ganas de hacerlo. La cinta no es perfecta, siendo su desenlace tan emotivo como chocantemente ingenuo, pero cumple con creces su cometido y exhala potencial por los cuatro costados.


© El copyright del texto pertenece exclusivamente a Juan Roures

© El copyright de las imágenes pertenece a sus respectivos autores y/o productoras/distribuidoras

viernes, 11 de mayo de 2012

The Fighter

TF_poster_700x1000mm_v5.indd

 

 

 

 

 

Título

The Fighter(España)
El ganador(Argentina)
El peleador(México)
El vencedor(Chile)

 

Dirección

David O. Russell

Producción

Dorothy Aufiero
David Hoberman
Todd Lieberman
Paul Tamasy
Mark Wahlberg
Ryan Kavanaugh

Guion

Scott Silver
Paul Tamasy
Eric Johnson
Keith Dorrington

Música

Michael Brook

Fotografía

Hoyte van Hoytema

Montaje

Pamela Martin

Protagonistas

Mark Wahlberg
Christian Bale
Amy Adams
Melissa Leo

Datos y cifras

País(es)

Estados Unidos

Año

2010

Género

Drama

Duración

115 minutos

Idioma(s)

Inglés

Compañías

Productora

Relativity Media
Mandeville Films
Closest to the Hole Productions

Distribución

Paramount Pictures
The Weinstein Company

Presupuesto

$25.000.000

Recaudación

$129.190.869

 

 

 

Argumento


The Fighter (titulada El peleador en México, The Fighter en España y El ganador en Argentina) es una película dramática sobre el deporte del boxeo estrenada el 10 de diciembre de 2010 en Estados Unidos y el 4 de febrero, 11 de febrero y 17 de febrero en España, México y Argentina, respectivamente. Protagonizada por Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams y Melissa Leo. Dirigida por David O. Russell. Ganadora de 2 Premios Óscar y candidata a 7 premios, incluyendo mejor película. Ganadora de dos Globos de Oro.

Micky Ward (Mark Wahlberg) es un boxeador de Peso welter estadounidense de Lowell, Massachusetts. Gestionado por su madre, Alice Ward (Melissa Leo), y entrenado por su medio hermano, Dicky Eklund (Christian Bale), Micky no ha tenido una carrera en particular: Se ha convertido en un "trampolín" para otros boxeadores que lo derrotan en su camino ir hacia arriba. Para complicar las cosas, Dicky, un ex boxeador en cuya cima del éxito noqueó a Sugar Ray Leonard en un partido televisado de HBO, se ha derrumbado desde sus primeros éxitos, convirtiéndose en adicto a la cocaína crack. Ahora está siendo filmado para un documental de HBO en el que creen que hablaran de su "regreso".

En la noche de la importante pelea en Atlantic City, el oponente programado de Micky está enfermo, y el sustituto encontrado resulta ser 18 libras más pesado que Micky. Pese a las reservas de Micky, su madre y su hermano están de acuerdo con los términos para poder sacar algún beneficio. Micky se ve completamente derrotado por el pesado luchador en una pelea claramente desequilibrada. Frustrado con su carrera y avergonzado por su derrota, Micky trata de retirarse del mundo y forma una relación con Charlene Fleming (Amy Adams), una ex atleta universitaria que abandonó y se convirtió en una camarera. Después de varias semanas, Alice organiza otra pelea para Micky, quien, preocupado de obtener el mismo resultado, se muestra muy preocupado. Su madre y sus siete hermanas culpan a Charlene por su falta de motivación. Micky menciona que ha recibido una oferta para entrenar en Las Vegas, pero Dicky dice que va a igualar la oferta para que pueda seguir entrenando y trabajando con su familia. Dicky trata de obtener dinero haciendo pasar a su novia como prostituta y luego, una vez que ella toma un cliente, se hace pasar por un oficial de policía para robar el dinero de los clientes. Este rápidamente es frustrado por la policía real y Dicky es arrestado después de una persecución y una pelea con ellos. Micky interviene e intenta detener a la policía de golpear a su hermano, pero un oficial rompe su mano antes de arrestarlo. En su comparecencia, Micky está en libertad, pero Dicky es enviado a la cárcel. Finalmente harto, Micky decide que Dicky ya no es asunto suyo.

En la noche del documental de HBO, la familia de Dicky y el mismo Dicky desde la cárcel, se horrorizan al ver que sale en un programa sobre adicciones a las drogas: Vidas perdidas en Lowell, un documental sobre cómo la adicción arruinó la carrera de Dicky y su vida. Devastado, Dicky comienza entrenando y tratando de recuperar su vida desde la cárcel. Micky es atraído de nuevo hacia el boxeo por su padre, quien cree que Alice y su hijastro Dicky son malas influencias. Recuperando a los otros miembros de su equipo de formación y en busca de un nuevo director, Sal Lonano (Frank Renzulli), convencen a Micky de volver al boxeo con el entendimiento explícito de que su madre y su hermano ya no estarán involucrados. Colocan a Micky en peleas menores que lo ayudan a recuperar su confianza. Entonces se le ofrece otra pelea grande contra un invicto y prometedor boxeador. Durante una visita a la prisión, Dicky asesora a Micky sobre la mejor manera de trabajar a su oponente, pero Micky siente que su hermano es un egoísta y trata de reiniciar su carrera fallida. Durante el combate real, Micky está casi abrumado al principio, pero, recordando el consejo de su hermano, altera su estrategia y finalmente triunfa, ganando la pelea por el título para el que estaba siendo preparado.

A su salida de prisión, Dicky y su madre van a ver a Micky. Suponiendo que las cosas son lo que eran, Dicky se prepara para entrenar con su hermano, pero Micky le informa que él ya no puede entrenarle por acuerdo de Micky con su actual equipo. En la discusión subsiguiente, en la que Micky castiga a ambas partes de su familia, Charlene y su entrenador lo abandonan. Micky y Dicky se pelean, llegando a un abrupto final cuando Micky noquea a Dicky. Dicky se atormenta, presumiblemente para drogarse otra vez, y Alice reprende a Micky, sólo se calma cuando él le dice que ella siempre ha favorecido a Dicky. Dicky regresa a su "casa de crack" para despedirse de sus amigos y se dirige al apartamento de Charlene. Él le dice que Micky los necesita y que tienen que trabajar juntos. Después de traer a todos de nuevo, el grupo se dirige a Londres para la pelea por el título. Micky apunta otra inesperada victoria y el título de peso welter. La película salta unos años hacia delante, con Dicky acreditando a su hermano por ser el creador de su propio éxito.

Se rodó entre el 13 de julio y el 26 de agosto de 2009. La filmación tuvo lugar íntegramente en Estados Unidos, en ciudades como Lexington o Lowell en Massachusetts y Los Ángeles, California. Matt Damon y Brad Pitt fueron considerados para el papel de Dicky Eklund, que finalmente interpreta Christian Bale. Éste último adelgazó varios kilos y estuvo preparándose para dar vida al personaje durante bastante tiempo previo al inicio del rodaje. Emily Blunt rechazó participar en la película. Mark Wahlberg empezó a prepararse para su papel en el año 2005, aunque la producción tuvo varios retrasos el actor siguió entrenándose para poder participar en la película. Su interés en el proyecto le llevó a implicarse en las tareas de dirección y envió el guion a Martin Scorsese, esperando que éste lo aceptara y dirigiera, pero Scorsese rechazó la propuesta. Inicialmente el director previsto era Darren Aronofsky, pero declinó la oferta en favor de Black Swan (2010).

The Bay



DIRECTOR: Barry Levinson
PRODUCTOR: Jason Blum, Steve Schneider
GUION: Michael Wallach
REPARTO: Kirsten Connolly, Kether Donohue, Christopher Denham











Si es que no puede ser de otra forma, llega el 4 de julio y la humanidad se va al garete. No son pocos los films que hacen alusión a este día, ya sea con una invasión alienígena a gran escala (Independence Day), con un pescador vengativo (la trilogía Se lo que hicisteis el último verano) e incluso con un zombie patriota con ganas de divertirse (Muerto el 4 de julio). Esta vez, será una especie de bacteria lo que provocara que los residentes de un pequeño pueblo costero las pasen muy putas durante la celebración de este día tan aprovechado en el género.   

Veremos, a través de móviles, noticiarios, cámaras caseras y grabaciones policiales, como poco a poco el pueblo se fue infectando de algo desconocido y sin cura aparente. La infección se extiende cada vez más rápido, provocando llagas y heridas en los afectados, hasta que poco a poco (y con una agonía bastante aparente) terminas medio descompuesto.


Como veis en su argumento y por mucha coletilla de Paranormal Activity que lleve, aquí lo sobrenatural no tiene lugar, sino que el film se centra es ser lo más realista posible.Y ese aspecto queda bien cubierto, podría creerme perfectamente todo lo que he visto si lo viera por las noticias gracias a la naturalidad de lo que se ve en pantalla. A parte de los variados estilos de grabación, contamos también con las explicaciones de una periodista que estaba allí cuando ocurrió todo y que, tres años después de lo ocurrido (y con la ayuda de una página wb interesada en dar a conocer a la verdad) decide hacer pública la historia. Su entrevista vía Skype será el hilo conductor que nos mostrara con todo lujo de detalles (y de manera bastante desagradable) lo que les paso a los habitantes de la bahía Chesapeake.




El ritmo aunque en un principio es algo lento (como en la mayoria de mokumentarys) va mejorando segun pasan los minutos, manteniendonte atento casi todo el rato para descubrir que o quien esta infectando a todo el pueblo y si hay alguna manera de pararlo. No creo que sea un argumento muy original ni sorprendente, pero la manera en como nos lo explican y la variedad de formatos de grabacion que hay le dan algo mas de empuje para que no se haga pesada ni aburrida a pesar de no complicarse demasiado con los giros de guión.

Pero el hecho de que haya tanta variedad de situaciones, personas y lugares tiene un fallo, y es que no llegas a empatizar con los personajes de la misma forma que si solo tuvieras un protagonista principal, lo que le quita cierto impacto a la cinta. Aunque con esto no quiero decir que no vayáis a encontrar imágenes desagradables: piel podrida, ampollas, hemorragias, pus, explosiones de órganos, miembros gangrenados y demás asquerosidades corporales (no aptas para ver mientras uno está comiendo) abundan a partir de la segunda mitad de película.


Es de agradecer también que la cámara no esté en movimiento constante y pueda verse sin terminar mareado. Se aprecia todo bastante bien (yo llegue a olvidarme de que era un mokumentary) a pesar de que hay varias escenas grabadas con cámaras caseras o móviles.

Quizá sea un defecto que es algo previsible ver como terminara la situación, pero tampoco creo que la originalidad fuera una de las intenciones del director, sino mas bien hacer un falso documental que cumpliera con los requisitos del mismo. Y puedo decir que los cumple correctamente, es entretenido, interesante y asqueroso (en el buen sentido de la palabra), y si  no nos ponemos a mirarla con lupa, es un film de lo mas disfrutable dentro de su género. 

Como ya he dicho por arriba, los personajes son de lo más variado y eso provoca que no nos dé mucho tiempo a conocer a ninguno en particular. Aunque casi todos cumplen con sus escasas escenas, por destacar algo, destacaría la presencia de Kristen Connolly (La inocente virgen de La Cabaña del Bosque) a la que vemos algo cambiada y más madura que en su anterior papel. Son sus escenas finales las que mas empatía me hicieron sentir, algo destacable teniendo en cuenta el trato tan general que reciben la mayoría de personajes.


La "presentadora" de la tragedia, encarnada por Kether Donohue, también cumple bien con lo que pedía su papel, que no era mucho más que informar e intentar sobrellevar el caos que se le viene encima. También están a la altura los FX, artesanales en su mayoría y bastante repulsivos, aunque a ratos, como es normal hoy en día, el CGIhace acto de presencia.

Contando con una historia que aunque se puede ver venir, es interesante, un reparto acertado en su mayoría y unos efectos gore a la altura, The Bay (La Bahía en castellano) es un falso documental bastante recomendable. Además nos deja con una advertencia que aunque parezca un poco sacado de Greenpeace, podría ser perfectamente una realidad. Sin ser un film que ofrezca nada nuevo ni en formato ni en argumento, cumple bien con los requisitos de un buen found footage. No creo que pierdas el tiempo si le echas un ojo y puede que incluso te lleves una sorpresa. Lo que recomiendo, es evitar verla mientras comáis, porque sin ser (ni mucho menos) lo más fuerte que he visto, hay escenas bastante desagradables. 



Nameless Gangster



En 1982 Ik-hyun es un funcionario de aduanas corrupto que está a punto de ser despedido. Decidido a dar un último gran golpe, al intentar vender una bolsa llena de heroína termina aliado con uno de los jefes mafiosos más importantes de Busan, Hyung-bae. Ik-hyun se gana la confianza de Hyung-bae de inmediato gracias a su imparable verborrea, y así la fuerza de uno y las habilidades del otro permitirán a ambos convertirse en los amos de Busan. Pero al llegar los años 90, el gobierno anuncia la guerra abierta contra el crimen organizado, y es entonces cuando empiezan a aparecer grietas en su relación. La guerra abierta por el poder absoluto ha comenzado.

A pesar de la duración de la película (133 minutos), la trama te mantiene enganchado todo el tiempo, gracias en buena parte a las actuaciones de Choi Min-Sik (“Old Boy”, “I saw the devil”) y Ha Jung-Woo “The Yellow Sea”, “The Chaser”). Para Choi Min-Sik supone el retorno a la gran pantalla después de dos años de descanso tras su histórica interpretación en "Encontré al Diablo" de Kim Jee-woon. También representa la segunda colaboración entre el actor Ha Jung-woo y el director Yun Jong-bin tras "The Unforgiven" y "Beastie Boys".

El personaje de Choi Min-sik es el del anti-mafioso, porque no es precisamente un Al Pacino en “Scarface”. Esto es, no tiene la intuición ni la ambición para los negocios turbios, sino que es más bien un bufón con discursos chulescos que nos arranca una sonrisa. Un listillo que primero se corrompe como funcionario público y después, a raíz de ser familiar de uno de los gánster más importantes de Corea, se introduce en el mundo del hampa. Su calificativo sería el de un listo que sale de la pobreza para convertirse en un gánster en un momento en el que el país se está poniendo manos a la obra para combatir la mafia. De hecho, la película reza en su introducción que la historia se basa en el pulso tomado por parte de las instituciones para acabar con los grupos organizados ilegales en Corea del sur en los años 80-90.
La película no innova y en ciertas partes es predecible y rutinaria, además de carecer prácticamente de acción. La historia se centra en conversaciones en karaokes y restaurantes, y la poca acción que hay no contiene pistolas; la mafia coreana va con palos y cuchillos. Cualquier objeto es usado para abrirle la cabeza a su oponente (botellas, un micrófono, una carpeta…). Y como en una reunión en un bar uno le acaba pegando en la cabeza a otro gánster y así en la segunda reunión y en la tercera, pues acabas por comprender de que no vamos a ver mucha más acción que esa.

Como detalle curioso, hay una escena muy similar a la de “Casino”. Concretamente, la escena en la que el personaje de Joe Pesci es apaleado y enterrado con vida, al final del film.

En su país de origen ha conseguido más de 4 millones y medio de espectadores y 32 millones de dólares recaudados en taquilla. Gracias al compromiso que Mediatres Estudio tiene con el cine asiático, podremos verla en nuestras salas comerciales de cine.

El thriller está producido por Showbox/Mediaplex, dirigido y guionizado por Yun Jong-bin, con música de Jo Yeong-wook, dirección fotográfica de Go Rak-Sun y forma parte de la Sección Oficial de largometrajes a concurso del Festival de Cine de Sitges.


Lessons of Evil

El cine de Takashi Miike aunque algunas veces baratillo siempre posee el personal e inconfundible toque de este gamberro cineasta nipón. Su producción es enorme y aunque a veces es bastante irregular, casi siempre ofrece a su público lo que este espera, es decir, “ida de olla” y sorpresas estilo Miike. Lo último que había visto y disfrutado del amigo Takashi fueron esas incursiones en el cine clásico samurái tituladas: 13 Asesinos y Hara-kiri: Muerte de un Samurái (remake casi idéntico de la obra maestra de Misaki Kobayashi). A pesar de ser dos obras estupendas (sobre todo la primera de ellas) se alejaban bastante de las coordenas psicotrónicas y alucinadas del Miike más desbocado.

El año 2012, fue un año prolífico para el cineasta japonés, pues dirigió tres películas para la pantalla grande (entre las que se encuentra Lesson Of The Evil) y un episodio para la serie de televisión Q.P., que adaptaba un manga de Takahashi Hiroshi del que Miike ya había llevado a la pantalla grande las dos entregas de sus cuervos (Crows Zero y Crows II).

En Lesson Of The Evil, el bueno de Miike adapta personalmente una novela de Kishi Yusuke (hecho este un tanto singular porque no suele involucrarse en tareas de guión, tanto es así que desde el año 2007 con Sukiyaki Western Django que no se enfrentaba al folio en blanco). Se nos cuenta la historia del perfecto profesor Seiji Hasumi. Inteligente, guapo, simpático y agradable profesor de inglés de instituto, que se preocupa tanto a nivel académico como personal por sus alumnos, implicándose mucho más de lo que su sueldo le exigiría por solucionar los problemas que estos puedan tener. El instituto, posible metáfora de la sociedad japonesa, esconde bajo una falsa apariencia de normalidad y tranquilidad, una realidad turbadora repleta de miserias en forma de acoso escolar, vejaciones sexuales, redes clandestinas para copiar exámenes, vidas frustradas, etc. En este contexto, el verdadero Hasumi, un psicópata sanguinario y cruel aflorará para impartir una lección que nadie olvidará.

Este thriller brutal nos devuelve al Miike más despiadado, y nos remite a una de sus mejores obras, Audition, tanto por la estructura de la película (claramente dividida igual que aquella en dos partes) como por la planificación de algunas escenas. Y aunque contiene alguna bizarrada y suficientes momentos delirantes se aleja de los parámetros transitados por otras obras como Gozu o Visitor Q.

En su primera parte se nos narra de forma pausada (que no lenta, pues no paran de suceder cosas) las relaciones entre los diversos miembros del instituto, así como va desvelándose la verdadera personalidad que cada uno de ellos esconde bajo una máscara de cordialidad impuesta por las normas sociales. Poco a poco el profesor Hasumi (interpretado por Hideaki Ito, que ya trabajo con Miike en la mencionada Sukiyaki Westren Django) tendrá la necesidad de escapar del caparazón que se ha impuesto y dejar que la violencia que alberga en su interior se materialice. Es en una segunda parte, memorable, donde Miike vuelve con su arrolladora fuerza visual y nos regala 50 minutos de violencia gráfica y orgía de sangre que no olvidaremos (pese a la ausencia de vísceras y mutilaciones en primer plano). Hasumi se transforma en un ángel purificador que va dando caza a todos aquellos que se encuentra a su paso con una escopeta, que cada vez que dispara atruena cual yunque golpeado en nuestras cabezas (dejando a asesinos reales como Eric Harris y Dylan Klebold los perpetradores de la masacre de Columbine o al más reciente Anders Breivik, como meros aficionados). No sólo es eterna la cacería, sino que su espectacular realización nos sitúa como espectadores privilegiados en el epicentro de la fría y sádica matanza, pero sin la capacidad de intervenir para frenarla.

Porque no nos engañemos, lo que nos cuenta Miike es mucho más que su turbador thriller hipersangriento sobre asesinos en serie, con elementos de mitología escandinava, referencias visuales a la nueva carne de Cronenberg y con un reiterado uso (también como leit motiv argumental) de la canción “Die Moritat von Mackie Messer”compuesta a principio del siglo pasado por Bertolt Bercht y Kurt Weill para “La ópera de los tres centavos” (es alucinante cómo con semejantes cócteles este tipo es capaz de sacar a flote y de forma magistral sus propuestas). La cinta nos habla del mal en estado puro, nos escupe la terrible realidad de que el ser humano es el monstruo más depravado, salvaje y sanguinario que hay y lo que es más aterrador, que cualquiera puede ser ese monstruo. Porque no hay que olvidar que la gran treta del diablo es hacer creer a todos que no existe.
Es evidente que no es una película perfecta, no se atan todos los cabos de forma satisfactoria (de hecho algunas tramas se obvian, como la investigación policial), puede resultar algo confusa al inicio y desde luego deja mal sabor de boca pues al finalizar quieres saber mucho más, pero es un producto muy bien facturado, entretenido y con la suficiente mala hostia y humor negrísimo como para hacer pasar dos horas estupendas a los amantes de las experiencias (asiáticas) extremas (difícilmente una cinta como esta se podría rodar así en EE.UU.).

Así que aquellos que tengan la oportunidad de acercarse al próximo Festival de Sitges que no pierdan la ocasión para disfrutar de esta obra (en una sala cinematográfica debe ganar aún más enteros), la cual no defraudará a los seguidores de Miike y resultará un acercamiento interesante al personal universo de este prolífico y polémico director de aquellos que aún no lo conozcan.




lunes, 7 de mayo de 2012

Plus One

Interesante el póster, para que os voy a engañar. El director Dennis Iliadis, conocido por haber dirigido el remake de La última casa a la izquierda, vuelve con su nueva película de terror, Plus One.Los asistentes al festival americano SXSW 2013, pudieron ver su obra terminada y las impresiones generales de la crítica han sido muy positivas, con varias imágenes corriendo por la red de redes, nos podemos hacer una pequeña idea de lo que está por llegar. Plus One mezcla el género fantástico con el terror más puro y la tensión de un buen thriller. Y por lo poco que hemos podido ver ya estamos con ansias de más.


Five Fingers

Five Fingers Poster

Storyline

While traveling to Morocco to initiate a food program of his own to help poor kids, the Dutch Martijn is kidnapped by a group of terrorists and his guide Gavin is executed in cold blood in front of him. Along the days, Martijn is tortured by a Muslin man and Aicha and looses four fingers. In the end, the truth about his travel is finally disclosed.Written by

87 min  -  Drama | Thriller   -   25 August 2006 (United Arab Emirates)

In Morocco to assist with the creation of a food charity, a Dutchman is abducted by a terrorist.

Director:

Laurence Malkin

Writers:Chad Thumann, Laurence Malkin

Stars:Mimi Ferrer, Laurence Fishburne and Touriya Haoud

 

Genres:Drama | ThrillerRated R for torture, violence and language including sexual references.
 
Country:USA
Language:English
Release Date:25 August 2006 (United Arab Emirates)
Also Known As:Fingers - Ataque terrorista
Filming Locations: Amsterdam, Noord-Holland, Netherland

domingo, 6 de mayo de 2012

Godzilla


Año: 2014
Pais: Estados Unidos
Director: Gareth Edwards



Acción Kaiju monstruo contra monstruo destrucción a escala masiva. pero en la última parte de la película, ya que durante casi todo el metraje tenemos a una cinta con un conflicto de personalidad que, aunque nunca llega a ser “mala”, no sabe qué hacer consigo misma. El problema es que tiene personajes interesantes como el “especialista en Godzilla” Dr. Serizawa, o el experto en energía nuclear Joe Brody, que busca aclarar las razones que llevaron al evento en que murió su esposa... pero no hace nada interesante con ellos y terminan siendo una parte minúscula de la historia, mientras que el enfoque se da en el Teniente Ford Brody, un especialista en bombas insufriblemente aburrido y sin personalidad que “curiosamente” se ve siguiendo el mismo camino de los monstruos desde Japón hasta San Francisco; Y aunque de verdad me gusta ese manejo de la ruta de los monstruos y humanos... tenían que hacerla con un personaje tan terrible?

Temáticamente el film es un caos. Saltamos de un tema de venganza a uno anti-guerra, a otro anti-energía nuclear a otro de vínculos entre padres e hijos a otro de enfrentar fuego contra fuego a otro de la estupidez de la inteligencia militar, y cada vez que uno entra en juego parece cancelar al otro. Por si fuera poco, el guión decide guardarse a Godzilla hasta el final (incluso hay una pelea de Godzilla contra uno de los monstruos a mitad del film... y deciden no mostrárnosla sin razón aparente). Aunque puedo entender que buscaban “construir” tensión y suspenso, esto lastima mucho la historia, pues como ya dije, no pasamos ese tiempo con buenos personajes o un desarrollo agradable.

Wow, dicho todo esto parece que hubiera odiado a Godzilla, pero la verdad es que terminé disfrutándolo bastante gracias a esa fantástica batalla final (que también tiene problemas, como que es de noche o que el diseño de los otros monstruos sea bastante mediocre) pero es impresionante a nivel de efectos y acción, eso es lo que vinimos a ver y casi redime todos los demás pecados de la película y su enorme cantidad de huecos en la trama... casi.



Aspectos técnicos: Suena y luce espectacular. No puedo negar el buen ojo que tiene Edwards para los momentos evocadores y bellos, con el escenario como protagonista. Godzilla y los MUTOs lucen impresionantes, capaces de dejar con la boca abierta a cualquiera y la musicalización que los acompaña realmente hace sentir que estamos viendo a dioses antiguos arrasar con nuestro mundo.
Debido a que la vi doblada al español, siento que no puedo hacer justicia a las actuaciones... pero intentémoslo: Ken Watanabe y Bryan Cranston estan regios en prácticamente todo lo que hacen, así sea la peor película del mundo, pero es una lástima que tengan tan poco tiempo en pantalla por cederlo al americano rubio y joven de turno, Aaron Taylor-Johnson (de Kick-Ass), que es absolutamente terrible! y no necesito escuchar su voz para saberlo sino ver su expresión de estar masticando chicle ácido cuando se supone que debería estar triste. Es incapaz de mostrar emoción alguna, pero aún así no es peor que Elizabeth Olsen como su esposa o su hijo. Es más, ya estoy preocupado de tener que ver a estos dos como los hermanos Maximoff en The Avengers: Age of Ultron, espero que no estén tan horribles como aquí.

Ah! tenemos a otro protagonista, el más importante de todos y que tiene aún menos tiempo en pantalla que Cranston o Watanabe, el mismo Godzilla, que es honestamente quien “actúa” mejor aquí. Desde que por fin aparece en toda su gloria en San Francisco lo vemos como un ser que viene a hacer su trabajo así no le guste, que sufre en la batalla y que a pesar de estar terriblemente lastimado se esfuerza y sacrifica hasta el último momento por cumplir con su deber. Ah, y está gordo, no, en serio, MUY gordo.

Normalmente tras ver un film, espero al día siguiente para escribir su crítica, con este tuve que esperar un día más. Cuando salí del cine estaba muy contento y entusiasmado, pero esto solo fue el resultado de los últimos minutos del film, ya que cuando se me pasó la emoción, pude analizar el film con cabeza fría y organizar en mi cabeza todas las razones por la que, en realidad, no funciona del todo bien. Es una película entretenida y admirable a nivel técnico... pero no exactamente “buena”, y es que no basta con tirar al azar imágenes y diálogos que evoquen la catástrofe de Fukushima o el horror nuclear si no hay nada que decir detras de ello. No basta con crear una gran secuencia de batalla de 15 minutos para justificar las dos horas de film.