Azumi: El Mejor Wuxia

Azumi es una pelicula dirigida por Ryuhei Kitamura se centra en la vida de la mujer asesina Azumi. Esta basada en un manga que comienza un número indeterminado de años después de la Batalla de Sekigahara, el manga introduce a los personajes en la corriente principal de la historia. Muchas de las primeras misiones de asesinato que Azumi se compromete son los asesinatos de prominentes simpatizantes y los generales del clan Toyotomi, contra la que el clan Toyotomi espera que una vez más ir a la guerra. El manga 'revela' que muchos de los dirigentes que Toyotomi convenientemente muertos de enfermedades o accidentes antes del enfrentamiento final entre los Toyotomi y Tokugawa eran en realidad víctimas de asesinatos de Azumi y sus compañeros, lo que indica al lector cuando los acontecimientos se estaban llevando a cabo .
Azumi es criada por un anciano conocido como "JII" (abuelo), cuyo nombre se reveló más tarde que se Gensai Obata, como la única niña entre los otros once niños pequeños. Son aislados del resto de la sociedad en un pequeño valle llamado "Kiridani" (Niebla del Valle) hasta tal punto que no saben la diferencia entre hombres y mujeres, lo que es un bebé, o las costumbres como el matrimonio. A principios de la manga, como parte de su formación, Azumi y sus compañeros se les permite ir a una pequeña comunidad de ninjas para aprender los conceptos básicos de Ninjutsu.
Pues que decir de esta obra maestra de la lucha de espadas, tiene una buena trama y unas escenas de batalla espectaculares, el final es grandioso, la chica corta a un ejercito completo ni el desgraciado Bijomaru Mogami se salva y eso que era un espadachisn intocable y al parecer un tanto indefinido en cuanto al sexo jaja, cuenta además con una secuela que no tuvo mucho exito pero vale la pena darle una mirada, a esta le pondremos 9 sobre 10.

Enlace IMDB http://www.imdb.com/title/tt0384819/ 

Tusk

Año: 2014 Pais: U.S.A. Director: Kevin Smith Género: Científicos Locos Versión: BRrip

Sinopsis: Un famoso podcaster viaja a Canadá buscando historias absurdas para su show, pero es secuestrado por un hombre que busca revivir los meses de su vida en que convivió con una morsa. Ajá, esa es la sinopsis, es en serio.



Hay películas que buscan impactar a los espectadores al contar historias absurdas y bizarras con imagenes grotescas o perturbadoras. Son esas que suelen verse en compañía ya que es casi obligado comentar con los amigos las locuras que ocurren en la pantalla. Algunas películas resultan ser así de modo accidental, ya que sus realizadores las crearon con absoluta sinceridad queriendo hacer la mejor película posible (películas como la pertubadora The Human Centipede o como Black Sheep por ejemplo, que aparte de su loca propuesta de “ovejas zombie” es una sátira sobre la cultura campesina Neozelandesa y un homenaje a Peter Jackson), otros buscan hacer películas raras o grotescas simplemente por el gusto de hacerlas, como si fuera una especie de chiste. Hay directores Japoneses que se han especializado en este tipo de cine como Noboru Iguchi o Yoshihiro Nishimura... y ahora se les une el alguna vez genial Kevin Smith con la idea de convertir quirúrgicamente a un hombre en morsa en la irregular Tusk.

La película comienza de una forma muy familiar con su protagonista, un desagradable podcaster llamado Wallace (interpretado por un Justin Long con un bigote ridículo), demostrando que es un horrible ser humano incapaz de sentir empatía por los demás, que engaña a su novia y que menosprecia a todos los que se le acercan; es típico de las películas de terror hacer esta clase de cosas ya sea para “justificar” los horrores a los que van a someter a un persona o para demostrar que aún la peor persona no merece sufrir de esa manera, de hecho Tusk lo hace menos sutil al mostrarlo con intención de humillar a un chico que quedó en silla de ruedas haciendo un paralelo con que él mismo estará en silla de ruedas poco después cuando eventualmente le corten una pierna. Durante este primer acto la película funcionaría relativamente bien si no fuera por el terrible humor que maneja, lleno de estereotipos contra los canadienses y de referencias que solo los seguidores de los podcasts del mismo Kevin Smith podrán comprender.

Entonces llega Michael Parks con Howard Howe, el mejor personaje de la película, un hombre de habla excesivamente literaria que está absolutamente loco, y con él llega el horror. Lo de convertir a una persona en morsa puede sonar increíblemente estúpido, pero hasta este momento el desarrollo logra vincularlo perfectamente a la locura de Howard creando una perspectiva horrible del “proyecto”, que nos va mostrando algunas escenas gore hasta el momento en que por fin se revela la apariencia de la criatura, y vaya! es una sorpresa el impacto que causa ver esta aterradora “morsa humana” por primera vez!

Y entonces todo se va al carajo...

La criatura, que tan buena impresión causó en su 1era aparición, queda rápidamente sobreexpuesta y notamos lo malos y baratos que son los efectos especiales detrás de ella y mientras se nos sigue mostrando una y otra vez, el horror desaparece para que la película se regodee en los pésimos chistes causados por “entrenar a una morsa” y se enfoque en la búsqueda de Wallace por parte de su exnovia y mejor amigo (Génesis Rodriguez y Haley Joel Osmont en los que posiblemente sean sus peores trabajos actorales) con la ayuda de un personaje “cómico” que no tiene nada de gracioso después de que nos damos cuenta que es un conocidísimo actor que nada tiene que hacer aquí usando una nariz falsa.

Las escenas comienzan a hacerse larguísimas y repetitivas, los diálogos comienzan a empeorar aún más y el humor comienza a hacer aún más vulgar y forzado (tanto que culmina con una poop joke en la escena post-créditos). Entonces nos damos cuenta que la película realmente terminó cuando vimos a Wallace transformado en morsa y a partir de ese momento hemos sufrido casi una hora de escenas y diálogos de relleno. Debí sospecharlo cuando el desarrollo comenzó a alargarse a base de flashbacks y de escenas que parecen sacadas de otros films (la escena en que la novia de Wallace hace un monólogo sobre lo mucho que él la maltrata parece pertenecer a una telenovela mexicana). Existe el rumor que ese “conocidísimo actor con la naríz falsa” entró a la producción después de que ya se había terminado, lo cuál explicaría porque sus escenas chocan tanto con el tono de la película y porque parece desviar por completo al tercer acto.

Puede que Tusk hubiera comenzado bien, pero termina convirtiéndose en una tortura aburridísima y vulgar que hubiera funcionado muchísimo mejor como un cortometraje. La película carece de sentido y su existencia no parece ser más que un mal chiste de Kevin Smith que se salió de control. La única razón por la que alguien querría ver está película es por ver como luce el “hombre morsa” y seguro que pueden buscar una imagen de ella en Internet y aprovechar mejor estos 100 minutos de su vida. Evítenla.

Genocyber: Brutal como pocas

Genocyber cuenta la historia de la creación de un arma biológica definitiva, a partir de dos hermanas con poderes psíquicos. Centrada en Hong Kong, la historia nos presenta a una chica muda (Elaine) que se ve arrastrada dentro de los planes de un ambicioso científico loco que quiere combinar los poderes de la chica y su hermana lisiada para activar el Genocyber.
Ahora aclaremos, el Cyberpunk es un género de Ciencia Ficción que nace en 1983 con una historia corta homónima  y que se basa en un futuro cercano, usualmente usando y abusando cibernética, inteligencias artificiales y megacorporaciones o monopolios mundiales. El elemento que más abunda en el Cyberpunk es el cambio social radical al que vivimos actualmente.

Debo decir que pocas veces he visto un anime tan brutal como este, la verdad he visto de todo pero aca si que exgeraron , no respetan a nadie y hasta los pobres niños salen destripados y hechos añicos, dire que se nota que se nota que es anime antiguo que vaya que se deja ver, no para cualquiera pero si te gusta el gore, esto es lo tuyo, le pondremos un 7 sobre 10.

METAL MUSIC & HORROR MOVIES X

METALLICA, una de las bandas mas importantes de la historia de la música aparece por primera vez en la sección Metal Music & Horror Movies con el tema For Whom the Bell Tolls de su disco Ride the Lightning y que podemos escuchar en la banda sonora de Zombieland.

Poco puedo decir sobre Metallica que no sea del conocimiento de la mayoría, y es que la banda compuesta actualmente por James Hetfield, Kirk Hammett, Robert Trujillo y Lars Ulrich es una referencia para todo seguidor de la música metal y ha vendido  más de 100 millones de discos durante su carrera.

Zombieland llego en pleno boom de comedias zombie de bajo presupuesto como una propuesta más elaborada y comercial, obteniendo un éxito más que aceptable.

El film estaba dirigido por Ruben Fleischer y contaba con un reparto compuesto por Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin y un estelar Bill Murray.

La película supo combinar los elementos de comedia mas tradicional y apta para todos los públicos con los zombies y la sangre de una forma que no resultaba demasiado extrema para los menos acostumbrados al terreno de los muertos vivientes, ni demasiado ñoña para los aficionados al terror, convirtiéndose en una de las mejores zombedy de su generación.

A continuación podréis ver la espectacular intro de Zombieland en la que podremos ver las normas para sobrevivir a un apocalipsis zombie amenizadas con la cancion For Whom the Bell Tolls.

The Avengers

Argumento

Joss Whedon dirige esta película sin duda y la verdad hizo buen trabajo. La película no es una maravilla y  hay varias cosas que no terminaron de convencerme, pero si valoramos el conjunto de la misma está claro que esos detalles no deslucen para nada el resultado final. Al contrario, la película no decepciona y es un buen cómic adaptado a la gran pantalla, para disfrutar de la película “Los Vengadores” no es necesario haber visto “Iron Man”, “El Increíble Hulk”, “Iron Man 2”, “Thor” y“Capitán América: El Primer Vengador”. Sí es recomendable por la cantidad de detalles y referencias, y por el hilo conductor que las une: el cubo cósmico (o teseracto); pero para nada necesario. “Los Vengadores” es disfrutable como película única y como parte del todo que es el universo cinematográfico de Marvel, y eso es algo que sin duda se agradece. La historia de “Los Vengadores” empieza con una escena que sirve a modo de prólogo en la que nos introducen a la raza alienígena y su alianza con Loki, que tiene un plan para conquistar la Tierra y así desquitarse por el destierro sufrido al final de “Thor”. Nos presentan a Loki como el malo malísimo, pero que en realidad no es tan malo sino solo un incomprendido; y a partir de ahí es Nick Fury y todo S.H.I.E.L.D. deben ponerse en marcha para evitar el desastre que se avecina. La película puede dividirse en varios actos. El primero de ellos es la búsqueda y reunión, con mayor o menor dificultad, del equipo de héroes que tendrá que cargar con el peso del mundo en sus espaldas. Pero las cosas no resultan como esperaban y, en el segundo acto, nos encontramos con los problemas de juntar en un mismo equipo a esas personas tan diferentes, que acompañados por el malvado plan de Loki para cabrear a Hulk, nos da como resultado una desunión prematura de los vengadores que desembocaría en un desastre. Sin embargo, y como dice Fury, los héroes solo necesitan un empujón para ser los héroes que necesitan ser y salvar el día. Un desafortunado incidente que implica la muerte del carismático Agente Phil Coulson, consigue que los héroes finalmente decidan dejar sus diferencias a un lado y reunirse de nuevo para encarar juntos la batalla final. Una batalla final de infarto durante una media hora intensa para no olvidar, en la que no te dejan respirar ni moverte de tu asiento, mientras observas como los seis vengadores de la película luchan codo con codo contra Loki y su ejercito que se les viene encima, no esta mal.

 

Fotos           

La Teoría del Todo

Después de la entretenida The Imitation Game, esperaba otro film biográfico británico al que la falta de innovación y credibilidad histórica impidiesen brillar con fuerza. Y, si bien no me encontré ante un desenfreno de emociones, sí disfruté de una historia real maravillosamente bien contada que resultó tener mucho más que ofrecer de lo que las apariencias auguraban.

James Marsh dirige la alegre escena inicial de
La teoría del todo, que augura la vitalidad de la obra

El interés del escritor y guionista Anthony McCartenpor la figura de Hawking data de 1988, cuando leyó su obra Breve historia del tiempo. Por tanto, cuando leyó la biografía de Jane Wilde Hawing, exmujer del cientifíco, en 2004, decidió embarcarse en la adaptación cinematográfica de la misma sin garantía alguna. Tras múltiples borradores para los que se reunió a menudo con la propia Jane, su guion recibió la atención de la productora Lisa Bruce, quien le ayudó a conseguir los derechos. Fue así como el film pasó a manos de Working Title, quizá la productora británica más prolífica del momento. Finalmente, James Marsh, ganador del  Óscar a mejor documental por Man on Wire (2008), fue elegido como director de la cinta, decisión perfecta para mantener el carácter realista de la misma. De hecho, desde el principio se buscó proteger fielmente la realidad, para lo que se tomaron imágenes de archivo como base y se realizó un exhaustivo proceso de documentación. Y, si bien el resultado es, en ocasiones, ligeramente repetitivo debido a nuestro conocimiento de la historia original y el momentáneo estancamiento de la misma, rara vez pierde el guion nuestra atención y empatía.

La obra se basa en la biografía de Jane Wilde Hawking,
con lo que Felicity Jones se gana nuestra empatía

Clave de esto último es la sorprendente pareja protagonista. El papel de Hawking fue a parar a Eddie Redmayne, popular gracias a protagónicos pero insustanciales papeles en Mi semana con Marilyn (Simon Curtis, 2011) y Los miserables (Tom Hopper, 2012). El joven actor británico trabajó duro para dar un necesario giro a su carrera, perdiendo siete kilos, entrenando durante cuatro meses con una bailarina para aprender a controlar su cuerpo y pasando horas y horas frente al espejo ensayando posturas imposibles, algo que le terminó suponiendo una alteración en la alineación de la columna. Pero el esfuerzo valió la pena, pues su transformación en el famoso astrofísico es impresionante y acaba de ser reconocida con un Globo de Oro a mejor actor dramático por encima de su compatriota y amigo Benedict Cumberbatch (por la mencionada The Imitation Game), quien precisamente encarnó al científico en el telefilm Hawking (Philip Martin, 2004). Su pareja en pantalla, Felicity Jones, no se queda atrás: quizá su sutil papel no sea tan agradecido, pero no por ello es menos complicado, y la  joven actriz de Cómo locos (Drake Doremus, 2011) y La mujer invisible (Ralph Fiennes, 2013) lo encarna con la misma determinación con que la auténtica Jane Hawking lidió con la dura enfermedad degenerativa de su marido. Tanto Redmayne como Jones recibieron los consejos de los Hawking, llegando Stephen a ceder su propia voz electrónica, así como elementos originales de atrezzo como su Medalla de la Libertad y su tesis firmada, como muestra de su satisfacción con la obra.

Charlie Cox, David Thewlis y la siempre efectiva Emily Watson aportan buen aporte secundario, conscientes de que los laureles corresponde a Redmayne y Jones, quienes suman dos de las cinco merecidas nominaciones a los Oscars de La teoría del todo (las otras tres corresponden a los apartados de película, guion adaptado y banda sonora original). Esta última, bellamente compuesta por el islandés Jóhan Jóhansson (recién galardonado con el segundo Globo de Oro recogido por la cinta) y grabada en Abbey Road, será la mayor baza del film la noche del 22 de febrero. La emotiva orquestación acústica es el perfecto envoltorio de la obra, cuyos exteriores fueron rodados en los apacibles rincones de Cambridge, donde Hawking recibió su formación (y, curiosamente, Redmayne también). El ambiente universitario juega un importante papel durante las primeras escenas, aunque es pronto dejado de lado a favor del hogar de los Hawking, donde Stephen y Jane aprenden a afrontar los reveses de la vida y mantenerse fieles el uno a otro, incluso iniciando una familia; ahí es donde la cinta se convierte en una hermosa reflexión sobre los regalos y sacrificios del matrimonio. Todo ello contrasta fuertemente con las realistas pero erróneas palabras del médico que afirmó que Stephen Hawking sólo viviría dos años más tras diagnosticarle una terrible enfermedad motoneuronal relacionada con la esclerosis lateral amiotrófica (ELA).

De hecho, toda la vida del famoso científico es un auténtico milagro que el film se esfuerza en retratar sin olvidar por ello su carácter ateo, derivado de sus interesantes investigaciones. Aunque ya no son pareja, a día de hoy Stephen y Jane siguen siendo amigos, y ambos recibieron la película con gran entusiasmo, alabando especialmente el trabajo de los dos protagonistas, en cuyos gestos y formas de expresarse se sintieron completamente reflejados. Famosa es ya la anécdota de que, durante el visionado del film en el Festival de Toronto(donde tuvo lugar el estreno oficial), una enfermera hubo de limpiar una lágrima de la mejilla de Hawking. Ni fue la primera ni desde luego la última lágrima derramada ante una cinta que ha sido capaz de alejarse del mero carácter biográfico para convertirse en un poderoso canto sobre la fuerza del amor y la necesidad de sacar el máximo partido a esta vida, ya que, con alta probabilidad científica, será la única que tengamos.

The Imitation Game

Keira Knightley y Benedict Cumberbatch son
dos de los actores más nominados del año

La historia de la creación del film se remite a 2011, cuando el guion del mismo, del escritor Graham Moore, encabezó la llamada Black List, que incluye a los mejores guiones de Hollywood no producidos. Warner Bros. compró el libreto por una suma de siete cifras debido al interés de Leonardo DiCaprio en interpretar a Turing, pero, cuando la estrella se apartó del proyecto, los derechos fueron devueltos al guionista y adquiridos por Black Bear Pictures. La película recibió el apoyo del Fondo Cineasta Sloan del Festival de Tribeca, destinado a cintas relacionadas con la ciencia y las matemáticas. Tanto David Yates (director de las últimas cintas de la saga Harry Potter) como el mencionado Ron Howard fueron considerados para dirigirlo, pero en diciembre de 2012 se anunció que el noruego Morten Tyldum, realizador de Headhunters(2011), había sido el elegido. The Imitation Game es, por tanto, su primera cinta en inglés. ¿Habrá afectado eso a la capacidad inventiva del cineasta?

Morten Tyldym dirige a Benedict Cumberbatch
en el cuidado set de The Imitation Game

El rodaje tuvo lugar entre el 15 de septiembre y el 11 de noviembre de 2013 en las localizaciones reales de Inglaterra, lo que sin duda ayuda al realismo del resultado. Tras un proceso de licitación contra otros cinco estudios, The Weinstein Company adquirió los derechos de la película por una cifra récord de siete millones de dólares en febrero de 2014, la cantidad más alta jamás pagada por los derechos de distribución en Estados Unidos en el European Film Market. Pero la cinta se ganó su precio, obteniendo el  prestigioso Premio del Público en el Festival de Toronto e innumerables nominaciones a los principales premios de la industria desde entonces, siempre acompañado de otro film británico relativamente similar: La teoría del todo, biopic de Stephen Hawking dirigido por James Marsh y protagonizado por un sorprendente Eddie Redmayne.

Keira Knightley, Matthew Beard, Matthew Goode,
Benedict Cumberbatch y Allen Leech

Especialmente aclamado ha sido el trabajo del protagonista Benedict Cumberbatch, lanzado a la fama por la serie Sherlock, en la que interpreta un papel curiosamente parecido. Aunque el año pasado ya vimos al intérprete británico en la oscarizada 12 años de esclavitud, de Steve McQueen, The Imitation Gamesupone, sin duda, la consolidación definitiva de uno de los actores más prometedores del panorama actual. Curiosamente, todo el reparto es bastante televisivo, pues, junto Cumberbatch, encontramos a Allen Leech (Downton Abbey), Matthew Goode (The Good Wife), Charles Dance (Juego de Tronos), Matthew Beard (Rogue) y Mark Strong (The Long Firm). La excepción que confirma la regla es la siempre encantadora Keira Knightley, quien está recibiendo por fin la atención que merece sin hacer nada que no haya hecho antes. Tanto ella como Cumberbatch tienen prácticamente asegurada la presencia en los Oscars, que, si no quieren contradecir la unanimidad de los Globos de Oro, los Critic’s Choice Awards, los Satellite Awards, los BAFTA y los galardones de los Sindicatos, también nominarán al film en las categorías de mejor película, guion adaptado y banda sonora (compuesta por el gran Alexander Desplat, quien, probablemente, se irá de vacío por séptima vez).

Entre las candidaturas menos seguras está la del propio Tyldum, ya que su realización resulta demasiado plana, previsible y convencional. De hecho, el proyecto podría haber sido mucho más interesante en las experimentadas manos de —por ejemplo— David Fincher, quien sí debería optar al Óscar este año por Perdida. Tampoco las tiene todas consigo el director de fotografía español Óscar Faura, quien obtuvo el puesto gracias a su llamativo trabajo en las cintas de J.A. Bayona: El orfanato (2007) y Lo imposible (2011). Si bien sería agradable contar con su presencia en los premios con los que comparte nombre, objetivamente no creo que lo merezca (no porque no cumple su labor con creces, sino porque, al igual que la obra en su conjunto, carece de la personalidad requerida para dejar huella). Aun así, el Sindicato de Directores de Fotografía sí le ha nominado, con lo que sus posibilidades son más que razonables.

Benedict Cumberbatch y Keira Knightley en el
lluvioso estreno del film en el BFI London Film Festival

Las carencias de la cinta se perciben tanto visual como narrativamente. Y ambas se resumen en escasa capacidad de sorprender. Al igual que no hay artificios estilísticos que lleguen a maravillarnos, tampoco hay apenas detalle alguno en el guion que no veamos venir tiempo antes de que se nos presente. No es que todo salga bien, sino que todo sale tal y como esperamos que salga en este tipo de producciones. Los hechos se entrelazan con una facilidad pasmosa, casi queriendo seguir la rigidez matemática que los origina. Los propios personajes jamás sorprenden, pues, incluso cuando alguno resulta ser lo contrario de lo que aparentaba, lo aceptamos con más pasividad que estupor. Y eso que todo el reparto está correcto —que no sobresaliente—, al igual que el resto de elementos de la cinta. Pero quizá sea precisamente la corrección lo que impide a The Imitation Game volar por sí misma y asombrar al —eso sí— entretenido espectador.

La máquina ideada por Alan Turing se denomina
'Christopher' en el film; en realidad se llamó 'The Bombe'

Empero, hay que reconocer que la cinta sabe tratar temas diametralmente opuestos e indudablemente difíciles con gran habilidad. Alan Turing, famoso por haber descifrado los códigos secretos nazis de la máquina Enigma (lo que, según los historiadores, acortó la II Guerra Mundial en un par de años) es una figura compleja que, lejos de ser idolatrado, es constantemente juzgado, tanto por su apariencia insensible, como por su condición homosexual (dos características que no solemos ver representadas de la mano). Nos encontramos por tanto ante un héroe poco común, cuyas acciones resultan difíciles de entender pero son, poco a poco, explicadas por el cuidado —aunque, de nuevo, convencional— montaje entre las tres etapas principales de su vida: la infancia de marginación, descubrimiento y primeras decepciones, la juventud de genialidad y la madurez de decadencia. Tanto su impenetrabilidad como su homosexualidad son retratadas con cuidado y detalle, tanto en lo que concierne a su desarrollo personal, como en sus relaciones con el resto de personajes. Destaca a este respecto el personaje —real, como la mayoría de ellos— de Joan Clarke, quien, al igual que él, está acostumbrada al ostracismo (en su caso, por tratarse de una inteligente mujer decidida a ser más que hija, esposa y madre). Su complicada relación da lugar a algunos de los mejores momentos de la obra, gracias a la magia desprendida por Cumberbatch y Knightley.

Todas las imágenes promocionales del film potencian
el protagonismo del popular Benedict Cumberbatch

Al margen de la perfecta pareja protagonista, la gran baza de la obra es la extraordinaria historia real que la origina. The Imitation Game tiene en su poder sucesos verdaderamente interesantes, dotados de un fuerte carácter cinematográfico gracias al poco conocimiento que tenemos de los mismos (principalmente, porque fueron secreto de estado durante 50 años). Sin embargo, ahí es donde, nuevamente, la cinta falla. No es que hoy en día esperemos auténtico realismo de un biopic, pero es que las modificaciones de la historia (realizadas con el propósito de simplificar la narración y fomentar el carácter cinematográfico) nos hacen desconfiar de los hechos originales. La película nos muestra un pequeño grupo de criptógrafos liderados por Turing que, de la noche a la mañana, descifran Enigma, pero los historiadores hablan de miles de personas avanzando poco a poco durante años. Y sí: es una gran diferencia. Ni la inteligencia del protagonista ni la importancia de su labor están exageradas, pero sí sus dificultades sociales; así es como un par de excentricidades terminan acercándose al Síndrome de Asperger. Pese a ello, los familiares vivos de Turing han quedado satisfechos y honrados con la representación del film.

The Imitation Game es un homenaje a un héroe
homosexual injustamente desconocido: Alan Turing

La homosexualidad de Turing también fue fruto de controversia, sin duda por la vergüenza que supone para el patriótico pueblo británico que alguien tan importante para toda la nación fuese despreciado en su tiempo por el mero hecho de ser gay. Recordemos que la homosexualidad fue ilegal en Reino Unido hasta 1967. El problema por supuesto, no radica solo en el agua pasada, sino en que la mentalidad de muchos ingleses modernos no es demasiado diferente a la de los años sesenta. Por tanto, resulta muy satisfactorio que la comedida cinta arriesgue —¡por fin!— en este ámbito e inste a reflexionar sobre el trato que la comunidad homosexual ha sufrido a lo largo de la historia. Por desgracia, esto es lo único que distingue a la cinta del típico biopic anclado en el pasado, definición que también recibió hace un año El mayordomo, de Lee Daniels.

The Imitation Game es, en definitiva, un filme de planteamiento y temática complejos, pero excesiva simplicidad estilística y narrativa. Puedo perdonar la falta de singularidad en la realización, pero no la excesiva modificación sufrida por la historia original, que vuelve poco creíbles acontecimientos cuya relevancia no requería florituras, atentando contra el propio discurso. Pese a ello, todo el equipo ha realizado un trabajo notable que, si bien rara vez alcanza la excelencia exigida a los protagonistas de la temporada de premios, confecciona conjuntamente una interesante obra que conjuga bien tres de los cuatro pilares del séptimo arte: el entretenimiento, el interés y la crítica social. Tan sólo falta la innovación.

© El copyright del texto pertenece exclusivamente a Juan Roures

© El copyright de las imágenes pertenece a sus respectivos autores y/o productoras/distribuidoras

Holocausto Caníbal

Holocausto caníbal es una controvertida película exploitation italiana de 1980 dirigida por Ruggero Deodato y basada en el guion de Gianfranco Clerici. Fue filmada en la selva amazónica y muestra la historia de un grupo de jóvenes que viajan hacia ese lugar para realizar un documental. Tras varios días sin recibir noticias de ellos, un antropólogo es enviado con el objetivo de encontrarlos. Es protagonizada por Carl Gabriel Yorke, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen, Luca Barbareschi y Robert Kerman.
Es una película de gran controversia debido a sus imágenes de gore y violencia, llegando a ser prohibida en numerosos países, incluyendo Italia, Australia y el Reino Unido. A pesar de su violencia, la película es vista por algunos como una crítica social sobre la cruel naturaleza de los humanos.^{[3] [4]}

• 1 Trama
• 2 Reparto
• 3 Producción
• 4 Recepción
  • 4.1 Respuesta de la crítica
• 5 Controversia
  • 5.1 Controversia italiana
  • 5.2 Censura internacional
  • 5.3 Muertes de animales
• 6 Interpretaciones
  • 6.1 Sociedad moderna y sensacionalismo
• 7 Influencia
• 8 Banda sonora
  • 8.1 Lista de canciones
• 9 Versiones y secuelas
• 10 Notas
• 11 Referencias
• 12 Enlaces externos

Trama

Un grupo de reporteros jóvenes, Alan Yates, su prometida Faye Daniels y dos camarógrafos, Jack Anders y Mark Tomaso, junto con su guía Felipe Ocaña, van al Amazonas, denominado en la película como "Infierno verde", para hacer un documental sobre supuestas tribus caníbales que habitaban en la zona. Cuando terminan los días de plazo y los jóvenes no aparecen, un antropólogo llamado Harold Monroe viaja a la jungla para investigar qué les ocurrió. Después de un largo viaje junto a dos guías, Chaco y Miguel, Monroe encuentra la tribu de los Yacumo, cuando un nativo está haciendo el rito por adulterio a su mujer. Tras asustarle con armas de fuego, lo siguen a su aldea y allí son recibidos por la tribu. Luego de este encuentro con los Yacumo, descubren a unos Shamatari atacando a los Yanomami, y Monroe junto a sus guías matan a algunos Shamatari, salvando a los otros indígenas. Los Yanomami les conducen a su poblado y allí Monroe descubre que los exploradores habían sido asesinados y comidos por los indígenas de esa tribu. Las cintas y cámaras que habían llevado estaban casi intactas, y tras hacer un trueque con ellos recuperan las grabaciones. Ya con las cintas en su poder, Monroe regresa a Nueva York para poder verlas y enseñarle su contenido a la cadena televisiva responsable del documental.
Monroe examina las cintas recuperadas y en ellas se ve cómo los cuatro jóvenes y Felipe se disponen a entrar en el Amazonas. Tras seis días caminando por la selva, se detienen cerca del río, donde Jack y Felipe sacan una tortuga marina del agua, la decapitan, destrozan a hachazos su caparazón y la descuartizan. Mientras continúan con su viaje, matan a una araña que se le había puesto en el brazo a Faye. En otro momento de descanso, Felipe es mordido en el pie por una serpiente, la que también es asesinada, cortándola por la mitad. Intentan cortarle la pierna a Felipe, para que de esta manera el veneno no le afecte, pero no logra sobrevivir a la mordedura. Seguidamente se ve a los cuatro jóvenes, que han construido una barca que es tripulada por Alan y Jack, mientras Faye y Mark graban a una anaconda y un caimán. Encuentran a miembros de la tribu de los Yacumo mientras estaban decapitando a un mono y les asustan con armas de fuego hasta llegar a su poblado. Allí Mark encuentra un cerdo al que dispara con un fusil en la cabeza, asustan a los indígenas de la tribu nuevamente con armas de fuego y los meten en una choza, la cual luego es incendiada. Tras incendiar las tiendas, Alan y Faye mantienen relaciones sexuales en los restos de éstas delante de los Yacumo.
Tras una conversación con la ejecutiva de la cadena televisiva, Monroe decide que su colaboración termina ahí. Seguidamente se ve a los cuatro reporteros cerca del río junto a una anciana medio quemada de la tribu de los Yacumo, que ha sido abandonada. Después se ve a los cuatro jóvenes interrumpiendo a unas mujeres de la tribu de los Yacumo, que intentaban matar a pedradas a una nativa embarazada de su propia tribu por tener sífilis.
Los dueños de la cadena televisiva siguen queriendo sacar el documental al aire, para que la muerte de los jóvenes no haya sido en vano. El antropólogo se niega a la proposición, diciendo que no han visto ni la mitad de las imágenes, que son obscenas, inhumanas e impresentables, y que los técnicos se han negado a montarlas porque les horrorizaban y que si las vieran completamente seguro que las desecharían. Monroe finalmente muestra a los ejecutivos el resto de las imágenes, que esta vez son mucho más crueles. Los reporteros encuentran a una indígena virgen a la que violan entre Mark, Jack y Alan, mientras Faye intenta impedirlo. Posteriormente la joven nativa es grabada mientras aparece empalada en un tronco, explicando que los nativos la habían matado como parte de un "oscuro ritual sexual". Seguidamente, los jóvenes son atacados por los caníbales de la tribu de los Yanomami y finalmente asesinados: Jack es atravesado por una lanza, decapitado, desmembrado, cocinado y comido; Faye es violada, asesinada a golpes y decapitada; los dos restantes, Alan y Mark, comienzan a correr. La filmación termina cuando los jóvenes caen y son atacados por los indígenas. Los tres ejecutivos y Monroe dejan la sala de proyección y ordenan quemar las cintas. Finalmente, Monroe sale del edificio y se aleja caminando.

Reparto

• Robert Kerman, como Profesor Harold Monroe.
• Francesca Ciardi, como Faye Daniels.
• Perry Pirkanen, como Jack Anders.
• Luca Barbareschi, como Mark Tomaso.
• Salvatore Basile, como Chaco Losojos.
• Ricardo Fuentes, como Felipe Ocaña.
• Carl Gabriel Yorke, como Alan Yates.
• Paolo Paoloni, como Jefe Ejecutivo de Nueva York.
• Lionello Pio Di Savoia, como Ejecutivo.
• Luigina Rocchi, como Indígena Yanomami violada y empalada.
• Lucía Costantini, como Indígena Yacumo lapidada.

Producción

La mayoría de las escenas de la película tienen lugar en la Selva Amazónica.

La producción de la película comenzó en 1979, cuando Deodato fue contactado por unos productores alemanes para hacer Holocausto caníbal. Deodato aceptó y fue en busca de un productor; eligió a su amigo Francesco Palaggi. Ambos se embarcaron rumbo a Colombia para buscar dónde poder filmar la película. Palaggi tenía varios lugares en mente, específicamente donde había sido filmada la película Queimada, de Gillo Pontecorvo. Deodato, sin embargo, no estaba de acuerdo, ya que no había suficiente selva. Tras recorrer gran parte del país, ambos estaban en el aeropuerto de Bogotá para regresar a Roma. Mientras estaban ahí, Deodato conoció a un colombiano que le sugirió la ciudad de Leticia como escenario para su película. Deodato le propuso el lugar a Palaggi, que estaba molesto ya que su plan original era volver a Roma. Finalmente aceptó y el proyecto se llevó a cabo.^[2]
Para acceder a un público masivo y lograr una atmósfera de "credibilidad", Deodato decidió realizar la película en inglés. Sin embargo, en ese tiempo era necesario para una película europea poseer nacionalidad; de esta manera se aseguraba su distribución por otros países del continente.^[5] De acuerdo a la ley italiana, para que Holocausto caníbal fuera reconocida como una película de este país, Deodato necesitaba al menos dos actores que hablaran italiano como lengua nativa.^{[2] [5]} En el Instituto Strasberg, de Nueva York, encontró a Luca Barbareschi y Francesca Ciardi, dos actores italianos que además hablaban inglés. También en Strasberg, contrató a Perry Pirkanen y a otro actor que rechazó el papel en el último minuto. Para reemplazarlo contactaron a varios actores, incluyendo a Carl Gabriel Yorke, quien finalmente obtuvo el trabajo. Yorke explicó que todos los trajes e implementos habían sido conseguidos con anterioridad, y fue elegido para el papel debido a que calzaba el mismo número que el actor anterior.^[6] Robert Kerman interpretó al profesor Harold Monroe debido a que él y Deodato ya habían trabajado juntos; Kerman había actuado en una película de Deodato titulada The Concorde Affair.^[7]
El guion fue escrito por el italiano Gianfranco Clerici, quien había trabajado con Deodato en una película anterior, Ultimo mondo cannibale. Hay varias diferencias entre el guion y la película, incluyendo los nombres de los personajes. Clerici además escribió varias escenas que no fueron incluidas; la más famosa mostraba a un grupo de Yanomami cortando la pierna de un Shamatari y entregándosela a un grupo de pirañas en el río. Sin embargo, debido a problemas con la cámara y las pirañas, la escena no pudo ser finalizada. Fueron tomadas algunas fotografías de esta escena, que sirven como única prueba de ésta.^[8]
La filmación comenzó el 4 de junio de 1979,^[9] pero se retrasó dos semanas esperando la llegada de Yorke.^[6] Las escenas donde aparecían los jóvenes fueron filmadas primero; posteriormente, Kerman viajó para grabar sus escenas en la selva y luego en Nueva York. Las escenas interiores fueron filmadas en Roma.^{[10] [8]}
La tensión en el set era alta, debido principalmente al lugar utilizado para filmar y al mismo contenido de la película. Yorke describió el set como "un nivel de crueldad desconocido para mí",^[6] mientras que Kerman describe a Deodato como alguien sin remordimientos ni comprensión (él y Deodato se veían involucrados cada día en discusiones sobre la filmación, debido principalmente a los órdenes de Deodato).^{[10] [8]} Uno de los hechos que generó el descontento entre los actores fue la filmación de la muerte de los animales. Por ejemplo, Yorke se negó a matar al cerdo, por lo que Luca Barbareschi tuvo que hacerlo.^[6] Varias personas estuvieron en contra de estas muertes (algunos ni siquiera estuvieron presentes cuando se filmaron), incluyendo a Perry Pirkanen, que estuvo bastante afectado por la muerte de la tortuga.^[8]
La actriz Francesca Ciardi también se mostró en contra del contenido de la película. Durante la escena de sexo entre ella y Carl Yorke, se negó a seguir las instrucciones de Deodato; esto generó una gran discusión entre ambos.^[6] Ciardi además fue el blanco de varias bromas, incluyendo una donde algunos miembros del equipo dejaron un cráneo humano en la selva para que lo encontrara.^[11]

Recepción[editar]

Holocausto caníbal fue estrenada el 7 de febrero de 1980, en la ciudad italiana de Milán. Aunque el consejo de censura se mostró indignado ante la película, la reacción inicial de la audiencia fue positiva.^[8] Tras ver la película, el director Sergio Leone escribió una carta a Deodato, donde agregó, "Querido Ruggero, ¡qué película! La segunda parte es un obra maestra de realismo cinematográfico, pero todo parece tan real que creo que te meterás en varios problemas" (lo cual resultó ser cierto).^[12] Durante el tiempo que se mantuvo en cartelera, la película recaudó aproximadamente dos millones de dólares.^[2]

Respuesta de la crítica[editar]

Las críticas en relación a Holocausto caníbal se mantienen divididas. Los que apoyan la película piensan que es un comentario serio sobre la sociedad del mundo moderno. Mike Bracken la llamó una de las mejores películas de terror jamás filmadas y además agregó que "los espectadores que estén en busca de películas poderosas, viscerales e inquietantes tienen un nuevo título que agregar a su lista".^[13] Sean Axmaker elogió la estructura y montaje de la película, añadiendo que "es una película extraña con una narración compleja, que Deodato hace más efectiva con este realismo de documental, mientras que la particular música de Riz Ortolani le entrega un ambiente único".^[14] Jason Buchanan, de All Movie Guide, dijo, "...mientras es difícil defender al director por las repugnantes imágenes que eligió para demostrar este mensaje, existe un motivo subyacente en la película, el cual puede ser visto si se dejan de lado algunos aspectos".^[15]
Sin embargo, los detractores se centran en las muertes de los animales, las actuaciones y la hipocresía que muestra la película. Nick Schager criticó la brutalidad del filme, alegando que "como se puede ver en las impactantes escenas — al igual que la imagen racista que se tiene de los indígenas — los únicos salvajes relacionados con Holocausto caníbal son los que están detrás de cámara".^[16] El argumento de Schager relacionado con el racismo se basa en que las verdaderas tribus venezolana y brasileña respectivamente cuyos nombres fueron utilizados en la película — los Yanomami y Shamatari — no son enemigos, ni practican el canibalismo (aunque los Yanomami participan en una especie de ritual caníbal postmortem).^[17]
Robert Firsching, de All Movie Guide, realizó una crítica similar al contenido de la película, agregando que "...los intentos de darle un mensaje social la convirtieron en un desastre moral. El hecho de que el portavoz de esta estrategia sea el actor porno Richard Bolla nos da un indicio de hacia dónde está dirigida su compasión".^[18] Eric Henderson, de Slant Magazine, dijo que era "...lo suficientemente astuta como para generar una crítica seria, pero lo bastante asquerosa como para considerarte un pervertido por la molestia".^[19]
Holocausto caníbal presenta un 60% de "votos frescos" en Rotten Tomatoes, y una calificación promedio de 5.^[20] Además estuvo en el octavo puesto del top 10 de películas tipo Grind House en IGN.^[21] En 2005, la revista británica Total Film la ubicó en el puesto número 10 de las mejores películas de terror de la historia.^[22] Cinco años más tarde, la revista Wired la incluyó entre las 25 mejores películas de terror de todos los tiempos.^[23]

Controversia

Desde su estreno original, Holocausto caníbal ha sido el blanco de defensores de los animales y la moral. Además de las escenas gore, la película contiene escenas de violencia sexual y crueldad hacia los animales, lo cual puso a Holocausto caníbal en el medio de la controversia. Aun en 2006, la revista Entertainment Weekly ubicó a Holocausto caníbal en el puesto número 20 de las películas más controvertidas de la historia.^[24] Se dice también que la película fue prohibida en 50 países,^[25] sin embargo este hecho no ha sido verificado.

Censura internacional

A pesar de su éxito en Italia, la censura afectó gravemente a Holocausto caníbal en el resto de los países. En 1981, Holocausto caníbal fue estrenada en formato de video en el Reino Unido, para evitar la prohibición por parte del British Board of Film Classification (BBFC). Dos años después, en 1983, fue compilada la lista de videos desagradables, que prohibía las películas en formato de video que no fueron previamente evaluadas por el BBFC; Holocausto caníbal formaba parte de ella. En 1984 fue también prohibida en Australia, Noruega, Finlandia, Nueva Zelanda, entre otros países,^{[27] [28]} aunque desde entonces muchos han sacado la prohibición. En 2001, el BBFC permitió la venta de Holocausto caníbal, cortando varias escenas de la película, relacionadas principalmente con el maltrato animal y la violencia sexual; con esto se terminaba la prohibición que duró 18 años (sin embargo, la versión sin cortes de Holocausto caníbal está aún prohibida en el Reino Unido).^[29] En 2005 Australia también permitió la venta de Holocausto caníbal, la versión sin cortes fue clasificada para mayores de 18 años. En 2006, la versión en DVD fue prohibida por el Ministerio de clasificación de películas y literatura en Nueva Zelanda. Se ofrecieron algunos cortes para lograr otra clasificación, pero fueron desechados y la película finalmente prohibida.^[27]

Muertes de animales

La película es controvertida además porque para rodar algunas escenas, se mató cruelmente a varios animales. En la producción de la película se mataron a siete animales, y seis de las muertes fueron mostradas:^{[Nota 1] [6]}

• Una rata almizclera es rajada por el vientre.
• Una tortuga de 1,5 m es sacada del agua, decapitada y despojada de su caparazón y órganos por los actores Perry Pirkanen y Ricardo Fuentes y luego cocinada.
• Una araña es matada con un machete.
• Una serpiente es cortada por la mitad.
• Un mono es decapitado.
• Un cerdo es matado con un fusil.

Algunos acusan esta crueldad en contra de los animales como sensacionalismo, controversia y ha sido considerado tortura animal. Deodato también criticó este comportamiento,^[8] agregando que "fue una estupidez utilizar animales".^[30]

Interpretaciones

Holocausto caníbal es vista por algunos como una crítica a varios aspectos de la civilización moderna,^{[3] [4]} compartiendo elementos satíricos de otras películas dirigidas por Deodato, como Ultimo mondo cannibale e Inferno in diretta. A pesar de estas interpretaciones, Deodato ha afirmado en varias entrevistas que su intención sólo era hacer una película sobre caníbales.^[31] Además, el actor Luca Barbareschi cree que Deodato solo quiso "llamar la atención".^[32] Sin embargo, Robert Kerman contradice estas frases, agregando que Deodato le había hablado sobre el trasfondo que envolvía la filmación.^[7]

Sociedad moderna y sensacionalism

Gran parte de las interpretaciones sobre Holocausto caníbal sostienen que la película critica a la sociedad moderna, comparando a la cultura occidental "civilizada" con la de los caníbales. David Carter de Savage Cinema dijo que Holocausto caníbal no solo se centra en el tabú del canibalismo. El principal tema que toca la película es el de la diferencia entre lo civilizado e incivilizado. Aunque la violencia gráfica puede resultar perturbadora para algunos estómagos, el aspecto más importante es lo que Deodato nos dice sobre la sociedad moderna. La película nos formula las siguientes preguntas: '¿qué significa ser 'civilizado'?' y '¿es algo bueno?'".^[3] Sam Sheldon y Nick Nordlinger de The Paly Voice agregan, "...la película describe a la sociedad 'civilizada' comparándola con la brutalidad y salvajismo de las culturas tribales".^[4] Todo esto se resume en el comentario final de Harold Monroe, "me pregunto quiénes serán los verdaderos caníbales".
Ruggero Deodato tuvo la idea de crear la película tras ver la manera en que la prensa reporteó la muerte de Aldo Moro a manos de las Brigadas Rojas.^[33] El director se dio cuenta de cómo los periodistas se centraban en los actos violentos, dejando de lado su ética profesional.^{[8] [33]} David Carter se da cuenta de esto diciendo: "[la falta de ética periodística] se ve reflejada en la interacción que ocurre entre el profesor Monroe y la agencia de noticias que envió al grupo de jóvenes. Estos presionan a Monroe para que edite las grabaciones, ya que la sangre significaba audiencia".^[3] Lloyd Kaufman de Troma Entertainment cree que esta actitud puede ser vista hoy en día en programas que se basan en la telerealidad.^[31]

Influenc

Deodato fue influenciado por los trabajos de Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi, quienes se dedican a filmar documentales.^[34] Prosperi y Jacopetti produjeron varias películas mondo, las cuales son documentales similares a Holocausto caníbal. Estos documentales se basan en contenidos sensacionalistas y gráficos del mundo. Deodato utilizó algunos de estos recursos, como la violencia gráfica. Aunque de una manera ficticia, Deodato quería mostrar la violencia que existe en el mundo, como se hace en Mondo Cane de Jacopetti y Prosperi.^[34]
Algunas escenas de Holocausto caníbal parecen ser similares a las de Savana violenta, película mondo dirigida por Antonio Climati; específicamente la escena donde Monroe se baña en el río y la que muestra un rito de aborto forzado. Además, el estilo de documental que aparece en Holocausto caníbal fue utilizado antes en la primera película mondo de Climati, Ultime grida dalla savana, en la escena donde un turista es atacado por leones. Otra escena, donde un nativo es capturado, violado y torturado por mercenarios en Sudamérica, utiliza un estilo similar de filmación, por lo que es posible su influencia en Deodato.^[35] Mark Goodall, autor de Sweet & Savage: The World Through the Documentary Film Lens, además de David Slater y David Kerekes, autores de Killing for Culture: An Illustrated History of Death Film from Mondo to Snuff, creen que Deodato intentó criticar los trabajos de Climati con esta película.^{[35] [36]}
La estructura de la película significó una innovación para entonces, ya que trata básicamente de las grabaciones realizadas con anterioridad por un grupo de personas que desaparece misteriosamente. Otras películas realizadas después, como The Last Broadcast y The Blair Witch Project, recurren a la misma estructura. Además, de la misma manera que Holocausto caníbal, la publicidad de The Blair Witch Project aseguraba que las grabaciones eran reales.^[37] El mismo Deodato ha reconocido las similitudes entre ambas películas, y aunque no guarda rencor hacia los productores, se sintió frustrado con la publicidad que recibió The Blair Witch Project al ser catalogado como un trabajo original.^[2] Los productores de The Last Broadcast han negado que Holocausto caníbal fuese una influencia importante para ellos.^[38]
Holocausto caníbal posee algunas similitudes con otras películas sobre caníbales realizadas durante el mismo periodo, destacando Cannibal Ferox. Aunque Umberto Lenzi, director de Cannibal Ferox, no ha reconocido tal influencia, el actor Giovanni Lombardo Radice dijo que la película fue realizada basándose en el éxito de Holocausto caníbal.^[39] Holocausto caníbal además generó numerosas secuelas no oficiales, algunas de las cuales poseían escenas copiadas de la original.

Banda sonor

La banda sonora de la película fue compuesta por el italiano Riz Ortolani, quien fue contratado por el director Ruggero Deodato. La música tiene una gran variedad de estilos, desde una calmada melodía en el "tema principal", una triste en "Crucified Woman" y otra más rápida en las canciones "Cameraman's Recreation", "Relaxing in the Savannah" y "Drinking Coco". Los instrumentos también son variados, desde orquestas hasta sintetizadores.^[40] El disco fue lanzado en Alemania en 1995, bajo la discográfica Lucertola Media. Tuvo un número limitado de 1000 copias,^[41] por lo que es un producto difícil de encontrar. El disco fue relanzado en agosto de 2005, esta vez en Estados Unidos, bajo la discográfica Coffin Records.

Lista de canciones

"Cannibal Holocaust" (tema principal)

1. "Adulteress' Punishment"
2. "Cameraman's Recreation"
3. "Massacre of the Troupe"
4. "Love with Fun"
5. "Crucified Woman"
6. "Relaxing in the Savannah"
7. "Savage Rite" (versión más rápida de "Massacre of the Troupe")
8. "Drinking Coco"
9. "Cannibal Holocaust" (créditos finales)